LO MEJOR DE 2010

1 - GRINDERMAN / GRINDERMAN 2

La segunda entrega de Nick Cave, Warren Ellis, Jim Sclavunos y Martyn Casey bajo el nombre de Grinderman es un ataque frontal a los sentidos. Un disco, sucio, lascivo, lujurioso, ruidoso, psicodélico y experimental. Es Punk y Kraut Rock, es un disco que se sale de las casillas y baila enloquecido a tu alrededor, un disco de blues interpretado por un condenado del infierno al que el diablo le está dando cadenazos en el cuerpo y de cuyas heridas en vez de brotar sangre, chorrea Feedback.
Grinderman 2 es lo más cerca que ha estado Nick Cave de sus raíces; es Birthay Party y The Boys Next Door y por supuesto es Stooges, mucho Stooges
El disco arranca con esa salvaje mordida de lobo que es “Mickey Mouse And The Goodbye Man” donde las pisadas de un deforme bajo son seguidas por oleadas de efectos y por una guitarra a la que Cave no toca…le exprime sonidos.
“Me desperté en la mañana/pensando que hago aquí/Mi hermano comenzó a gritar/lo vi levantarse y aullar/y chupo a la chica hasta dejarla seca/luego me mordió y me dijo adiós”. La trasformación está completa, en segundos el virus ocupa cada rincón del disco y por más que hubiera un piano en la habitación, nunca sonaría como un disco de los Bad Seeds, estos degenerados se comerían las piezas y tocarían con ellas luego de haberlas vomitado.
“Worm Tamer” da miedo con ese marcial golpe tribal y esos ecos de Pere Ubu: “Solo estoy feliz cuando estoy dentro de ella” babea Cave en una cama revuelta “Ella me abandona cada noche /pero ¿Quién puede culparla?/creo que la he amado demasiado”
“Heathen Child” es la pieza principal del disco, vital ver el video de la canción para que despliegue toda su grandeza. La canción cuenta la iniciación de una chica en los placeres de la carne, en donde se rompen los tabúes y una virginal chica comienza a conocer su cuerpo. “Ella tiene un pequeño poder/ tiene un pequeño revolver/sentada en la bañera/chapándose el dedo/no me importa Buda/no me importa Krishna/no me importa Ala” Cave monta la canción y la toma por los cuernos, el hombre lobo en éxtasis y el disco ya en su tercera canción explota.
“When My Baby Comes” es la canción pos-orgasmo, una canción en que los violines sirven de relajante muscular…..al principio, ya que casi al final empieza a mutar en una pared de sonido digna de Sonic Youth y el hombre lobo que se encuentra en una cama de hospital, lentamente comienza a ser arrastrado a la calle por fuerzas invisibles.
Afuera el lobo está hambriento y lo que parecía un relajante en realidad eran anfetaminas.
En su deambúlelo por el asfalto se pregunta “¿hay alguien ahí afuera que derroche su vida/en alcohol, drogas, maridos, esposas o en hacer dinero? ¿Hasta cuándo vas a ser mi nena? ¿Hasta qué acabes?
“What I Know” es un interludio onírico, en los que la bestia se siente encerrada y los pensamientos se le amontonan el cerebro, es una canción de hastió y de desesperación, si durara 15 minutos te volarías los sesos.
“Evil” es un canto de amor: “Oh nena/ ¿quién necesita las estrellas?/vos sos mi estrella / ¿quién necesita a la luna?/vos sos mi luna”. Las coordenadas sónicas de la canción apuntan hacia los Bad Seeds más oscuros, aquellos del “Your Funeral...My Trial”
“Kitchenette” es puro sexo, es la banda de sonido de los burdeles, allá en el infierno: “Voy a conseguir un recipiente para cocinarte/y voy a hundir mis dedos en el recipiente de tus bizcochos” (…) ¿qué te da ese marido tuyo?/Oprah Winfrey en una pantalla de plasma.
“Palace of Montezuma” es la gran sorpresa del disco con esa producción muy Daniel Lanois, tanto que hasta la podría versionar U2, pero con una letra que ni luego de una sobredosis Bono podría componer: “te voy a dar/la medula espinal de JFK/envuelta en la bata de Marylin Monroe”
Le doy la razón a una review que leí sobre el disco por ahí, que decía que en esencia “Grinderman 2” es un disco de Blues. Veamos… lo primero que se escucha es “Desperté esta mañana” y termina con el blues del campanero (“Bellringer Blues”) en donde se escucha, sacando la maraña de ruidos, una simple repetición de acordes. Círculo cerrado.

2 - ALEJANDRO ESCOVEDO / STREET SONGS OF LOVE

Luego de dos discos muy personales y autobiográficos: “The Boxing Mirror” de 2006 (disco editado luego de casi morir de hepatitis C) y “Real Animal” de 2008 en el que nos contaba su vida en 13 canciones, llega un disco mucho más suelto y relajado. “Street Songs Of Love” es un disco sobre los diferentes tipos de amor, sobre las idas y vaivenes de una relación amorosa y de la búsqueda incansable de encontrar al verdadero (o al mejor dentro de las posibilidades) amor.
Al igual que “Real Animal” está producido por el legendario Tony Visconti y las canciones escritas a medias con Chuck Prophet, por lo tanto el sonido del disco no difiere mucho al de su anterior trabajo. Lo que significa que no se aparta un milímetro de ese sonido que envuelve a las clásicas obras de Springsteen, con un toque de Rock clásico setentero y una pizca de pulsión Punkie.
“Si tu amor hubiera sido un barco/Le hubiera puesto un ancla y lo hubiera bautizado/Estoy enamorado del amor/y eso me partió en dos” canta en “Anchor” una canción que tiene todo para ser un clásico hasta el fin de los tiempos con esos coritos a la “Sympathy For The Devil” y la marca del “Born To Run”.
“Silver Cloud” suena como unos Stooges domesticados por la E Street Band y “The Bed Is Getting Crowded” es una canción sobre una orgia o sobre las relaciones pasajeras o sobre estar con una persona en la cama pero con la mente a 1.000 km de distancia… ustedes decidan : “Esta cama está llena, nena/¿Quién quieres que sea?/seré tu amante en la medianoche/seré tu amante al amanecer/Esta cama se está llenando/miro y son las 4 de la mañana/¿estoy aquí contigo, estas aquí conmigo?/¿estamos los dos con él?/Esto no es amor/llámalo como quieras nena, Pero esto no se siente como amor para mí”.
“Street Songs” bebe de la prosa callejera de Lou Reed y “Tender Heart” es un infierno, un desaforado bólido de Rock N roll con ese piano Stooges y esas guitarras infectadas de puro Hard Rock: “Tengo un tierno corazón/ ¿Queres mi tierno corazón?/No tengo nada que necesites pero tengo todo lo que queres”.
“Tula” es una experimental y climática canción y a “Undisired” la podríamos haber encontrado en los primeros discos de Escovedo.
En “Street Songs Of Love” también hay espacio para esa canciones mid-tempo que siempre engalanan los discos de Escovedo: “After The Meteor Showers” y “Fall Apart With You” (“Ella me dijo que su primer amor fue el ultimo/ por eso ella llora cuando escucha a Johnny Cash”)
“Tienes que tener fe/en la persona que amas/Tienes que tener fe/cuando tus amigos te defraudan/y esta todo oscuro a tu alrededor” cantan Escovedo y Springsteen en la poderosa “Faith”.
El ex Mott The Hopple, Ian Hunter aparece en la exquisita “Down In The Bowery” quizás el mejor momento del disco, una canción dedicada a su hijo, quien según cuenta Alejandro toca en una “ruidosa banda de Punk” y quien una vez ante la pregunta de Escovedo de que opinaba sobre su música este le respondió que “Lo que vos haces papa es música vieja”, Escovedo entonces le pidió que se explayara , “¿A qué te réferis con eso?, ¿Country, Rock clásico?” a lo que él le respondió “lo que vos haces es música vieja para gente vieja”.
Así que si esto era llegar a viejo, no sé porque espere tanto

3 - TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS / MOJO

“Cuanto más pensas mas apestas” era la máxima del legendario productor de Neil Young, David Briggs.
¿Por qué trabajar una y otra vez una canción, agregándole capas y mas capas, cuando lo mejor está en la magia de la primera toma?
Petty, para esta vuelta con los Heartbreakers siguió al pie de la letra las palabras de Briggs y grabo casi en directo uno de los mejores discos de su carrera.
Pocas veces los Heartbreakers estuvieron tan grandiosos en estudio como en “Mojo”, la banda suena suelta, aceitada y sublime. Capturan en el disco la magia que despliegan sobre el escenario, lugar en el que son amos absolutos.
En este álbum Petty es uno más y parce estar subordinado a los designios de la guitarra de Mike Campbell
“Mojo” se puede dividir en tres grande bloques. El primero está compuesto por esas canciones a ritmo de Blues (“Jefferson Jericho Blues”, “Candy”, “U.S. 41”, “Takin’ My Time”) en vivo siempre Petty toca Blues, pero en estudio meter 4 de un tirón, eso solo se puede encontrar en este disco, son canciones que se mueven al boogie boogie ancestral de Bo Diddley y John Lee Hooker.
El segundo bloque está formado por ese homenaje Booker T & The Mgs y al sello Stax que son “Running Man’s Bible” (un homenaje al bajista de los Heartbreakers Howie Epstein quien falleciera de sobredosis a fines de los noventa: “estás conmigo en esta oscura autopista/que supimos recorrer juntos”) “Let Yourself Go” y “Lover’s Touch”. Canciones en las que el tecladista Benmont Tench y el fabuloso baterista Steve Ferrone hacen derretir las paredes de tan infeccioso Groove.
En el tercer bloque se encuentra el resto de las canciones del disco donde nos topamos con una las mejores canciones compuesta por Petty “I Should Have Known It”, un verdadero infierno de Hard Rock, si, Hard Rock en un disco de Petty, no me quiero imaginar que hubiera sucedido si todo el disco fuera como este bestial tema. Led Zeppelin y Ac/Dc se funden en los grandiosos dedos de Mike Campbell.
“Lo debería haber sabido/Me ibas a decepcionar (…)/Como veras todo ya se acabo/Es la última vez que me lastimas/ (…)/Gracias por nada/Si, muchísimas gracias/Seguí tu camino, nena” Petty le canta desafiante a aquella que jugó con sus sentimientos, se paro firme y no solo es una advertencia a esa perra, sino que también es un mensaje para las que vendrán.
Nos topamos también con una verdadera rareza en la discografía de Petty en el reggae pro legalización de la marihuana “Don’t Pull Me Over”: “Por favor agente no me detenga/Lo que voy a hacer no lastima a nadie/debe de ser legalizada”.
También por ese tercer bloque desfilan la jazzy “First Flash Of Freedom” que podría haber pasado sin desentonar como un Outake del “Dark Side Of The Moon” y “No Reason To Cry” balada que tiene mucho de aquella maravilla que está en “The Last Dj”: “Have Love Will Travel”
El cierre lo marca esa psicodélica y húmeda “Good Enough” que bebe directo del “I Want You (She’s So Heavy”) de los Beatles, de quienes como en todo disco de Tom Petty, su influencia vuela rayando el suelo.
Gracias “Mojo” por hacer justicia y poner a Mike Campbell en el lugar que por mucho tiempo se le ha negado: como uno de los mejores guitarristas de la historia del Rock N Roll y por darle a los Heartbreakers la potestad para demostrar que son una de las mejores bandas de respaldo con la que se puede contar.

4 - NEIL YOUNG / LE NOISE

“Yo dije solo, ellos dijeron acústico” ese fue el grito de Young en la gira anterior a la publicación del álbum, en donde los asistentes a los conciertos quedaban de piedra cuando veían a Neil asaltarlos con la guitarra eléctrica.
Estábamos acostumbrados que cuando el tío se las mandaba por su cuenta, siempre era con una armónica y una guitarra acústica al hombro, pero en el “Twisted Road Tour” nos llevo de excursión por eléctricos territorios inhóspitos.
En otro de sus bruscos cambios de rumbo, Neil se junto con el productor Daniel Lanois y juntos se largaron a crear uno de los discos más experimentales y eclécticos del canadiense.
Un disco que vendría a ser una cruza entre “Dead Man”, “Arc” y la urgencia de Crazy Horse, un disco experimental, en el que escuchamos a Young transformar su clásico y reconocible estilo de tocar la guitarra.
Desde el juego de palabras del título, que suena muy parecido a Lanois, asistimos más que a un álbum en solitario, al trabajo de un dúo, por más que Lanois no cante ni toque un instrumento en él, le dio la confianza y el espacio necesario a Young para que este exprima sus sentidos más vanguardistas.
La casa del productor en Silver Lake fue el estudio y esta se transformo en una enorme caja de sublime reverberación.
De una cosa estamos seguros al arranque del disco, no es más de lo mismo, por más que se cuelen sonidos del pasado.
“Walk With Me” es la furiosa arremetida inicial en que la voz del canadiense retumba por todos los rincones del disco, es una canción de agradecimiento a todos nosotros que somos sus compañeros de viaje “Siento la paciencia de tu amor incondicional/Nunca te decepcionare/no importa lo que hagas/Si caminas conmigo y me dejas caminar a tu lado/Estoy en este viaje y no quiero hacerlo solo”
Al final de la canción, antes de estallar en un mar de Feedback y de ruido, Young nos cuenta que “Perdí gente con la que viajaba/Perdí un alma y una vieja amistad” Aquí hace referencia a su productor L.A Johnson y por extensión a uno de sus grandes amigos Ben Keith, quien falleció mientras se grababa el disco.
“Sign Of Love” es una canción de amor dedicada a su mujer que comienza con una sucesión de acordes muy similar a “The Loner” y está respaldada por un discreto colchón de armonías de voz.
“Someone’s Gonna Rescue You” cierra esta trilogía inicial que bien podría haber estado en “Broken Arrow”.
Es extraño que en un disco tan eléctrico y brutal como es “Le Noise”, los dos puntos altos del disco sean temas acústicos. Pero es que tanto “Love And War” y “Peaceful Valley Boulevard” son dos grandiosos clásicos a los que Lanois les dio un toque mágico y hace vibrar las cuerdas de la guitarra acústica de Young con insolente sabiduría.
La primera trata sobre dos temas de los que Neil nos ha hablado cientos de veces en su carrera y de los que seguramente seguirán estando en sus canciones del futuro, ya que en esos dos polos se escribe la historia de la humanidad: El amor y la Guerra.
“Desde los callejones de Toronto/Cantaba por justicia y le erre al acorde/Pero todavía trato de cantar sobre el amor y la guerra”
La segunda con su arpegio danzarín y su sequedad nos transporta por los aires a la parte acústica del “Rust Never Sleeps”. “Peaceful Valley Boulevard” es una canción apocalíptica, un grito desesperado para cuidar a la tierra: “Un oso polar estaba flotando en un tempano de hielo/Rayos del sol cayendo/Políticos reunidos en una cumbre/saliendo con nada decidido/Tormentas resonando/sus lagrimas de lluvia/Un niño ha nacido preguntándose porque”
“Angry World” como su título lo dice es una enojada canción repleta loops y de un extraño clima sonoro. Nace cuando un pescador amigo de Young, un día frustrado por la situación de las cosas le dice “Es un mundo enojado, Neil, deberías escribir una canción sobre eso”. Esa mecha se transforma en una de las paradas más experimentales del disco junto con “Hitchhiker”, canción que tiene una larga historia a sus espaldas: Escrita en 1974, se cuela el estribillo en “Like An Inca” (del disco “Trans”) y que aparecerá a menudo en su versión completa en sus giras acústicas a partir de 1992, pero para ver la luz editada tuvo que esperar hasta este 2010.
La canción es un repaso a las experiencias con drogas de Young. Por la carretera de este tipo que hace dedo desfilan la marihuana, anfetaminas, valiums, cocaina, etc.
Es el momento más psicodélico del disco, con esos salvajes loops de voces que rebotan por todos lados.
A esta versión editada Neil le agrego un párrafo final en el que agradece estar vivo “No sé como estoy parado aquí/gracias a mi familia y mi fiel esposa”
El disco se cierra con “Rumblin” que a pesar de la crudeza de la guitarra podría encajar perfectamente en un disco de Lanois.
“Le Noise” no solo da que hablar por lo que incluye, sino también por lo que dejo afuera: en la gira “Twisted Road” Young tocaba “You Never Call” una sentida balada en homenaje a LA Johnson por la que los fans del canadiense rasgaban sus vestiduras y que fue dejada junto con otras dos (“Leia” y “Twisted Road”) por no encajar con el concepto del disco y que quizás vean la luz en los archivos del 2100.
Este disco seguramente no sea en un hecho aislado para la dupla Young-Lanois, por lo que quien les escribe no deja de soñar que el próximo paso de Lanois sea llevar a Neil al Teatro de México (si es que todavía existe) en el que Lanois grabo hace un par de años a Willie Nelson y encerrarlo con los Crazy Horse o con T-Bone Burentt y Marc Ribot. Sueños, sueños, sueños

5 - STEVE WYNN & THE MIRACLE 3 / NORTHERN AGGRESSION

Increíble, pero ya pasaron cinco años desde la última entrega de Wynn con los maravillosos Miracle 3 (Jason Victor, Dave De Castro y Linda Pitmon)
“Tick, tick, tick” fue el último disco registrado con ellos, pero Wynn hizo mucho esfuerzo para que nos olvídesemos de ellos por un rato (The Baseball Project, Danny And Dusty y un soberbio disco como “solista” “Crossing Dragon Bridge”).
Pero al segundo de empezar su nuevo trabajo nos damos cuenta lo mucho que habíamos extrañado a los Miracle 3.
Registrado en los apacibles territorios de Richmond, Virginia y con la advertencia de parte de Stephen McCarthy (Long Ryders/Gutterball) de que dejara su “agresión norteña detrás”, este “Northern Agression” vendría a significa runa rebelión de parte de Wynn y Cia contra el lugar, ya que este álbum quizás sea su disco más neoyorkino y callejero desde “Melting In The Dark”.
Basta escuchar el tema que abre el disco para ello: “Resolution” que es como “Waiting For The Man” o “I Wanna Be Your Dog” tocada por Neu! .Una canción que habla de las intenciones de Wynn al entregarse al arte de la creación: “Cuando voy/Voy/No hay espacio para la duda/Nada para ver/lo que tenga para ser/será”
Gran canción que sirve de marco para que la banda se despliegue en infinitas posibilidades sonoras.
“We Don’t Talk Abou It” mezcla la lírica Reediana con los golpes eléctricos de una buena canción de Televisión pasada por la cabeza de Sonic Youth.
Wynn había escrito “No One Ever Drowns” antes de formar los esenciales Dream Syndicate, pero recién hoy encuentra hueco oficialmente, raro, porque podría haber sido parte del set-list de la banda desde sus inicios, ya que es una perfecta canción de carretera con el toque acido que caracteriza a los Miracle 3.
“Colored Lights”, “The Other Side” y “On The Mend” son tres vehículos para que brille la guitarra de Jason Victor, tres canciones para demostrar sobre un escenario, orgulloso, el valor de su banda.
Vale resaltar en la última el infeccioso Hammond de Steve Bassett que te embriaga en psicodélico nectar
Uno de los momento cumbres del disco, es uno de los mas reposados: la enigmática “The Death Of Donny B”, versión de una canción que fuera compuesta originalmente para un documental anti-drogas de 1969.
El tema aquí cobra toda su fuerza narcótica y nocturna. No sabemos quién era el bendito Donny B, pero lo vemos solo y desamparado a la espera de su llamado del más allá, mientras lo envuelven los punteos y una sucesión de acordes dignos del más puro Tom Verlaine.
“St. Millwood” muestra la otra cara de un tipo tan amistoso como es Wynn, la del compositor atormentado: “Compre mi propia tristeza/En caso de que estuviera perdida”, hay en esta canción unas hermosa pinceladas de Pedal Stell a cargo de McCarthy que te hacen levitar del suelo.
El cierre es con un puro ejercicio de lo que es capaz Steve Wynn, que una canción como “Ribbons And Chains” nos la imaginemos cantada por alguno de nuestros héroes, sea Young, Reed o Dylan.

6 - JOHN HIATT / THE OPEN ROAD

Hiatt viene recorriendo el mismo viejo camino desde hace décadas, siempre contemplando el mismo paisaje, pero eso no quiere decir que el viaje sea tedioso sino que en su polvorienta tierra siempre hay lugar para el misterio y el asombro.
“The Open Road” es el mejor disco de Hiatt desde el clásico “Bring The Family” de 1987 y no es porque el hombre haya dado algún giro estilístico, sino que la virtud de Hiatt está en conservar esa magnífica escritura que lo caracteriza y plasmarla sobre capas de Country, Folk, Rock y Blues.
Luego de girar por más de 25 años casi sin parar, Hiatt se tomo un año libre y la musa decidió hacerle una parada duradera en su rancho para que componga sin ataduras y sin apuro: “Es en la carretera desierta / hacia dónde van los sin hogar/para ver si la esperanza todavía corre” canta Hiatt en el tema que da título al disco para luego arremeter a puro Rockabilly en “Haulin´”.
Hay un blues con todas la de la ley : “My Baby” y varias canciones confesionales : la Blusy “Like A Freight Train” ( “Solía andar como un tren de carga/pero mis ruedas se salieron”) y la Folk-Stone de “What Kind Of Man” (“Que clase de hombre tiene estos agujeros en la mente/haciendo una y otra vez las mismas cosas/esperando que alguna vez sea diferente”) y “Go Down Swingin´( “pateando y gritando/es la única forma de aprender/Me asusta mi propia sombra/me perdí y me volví a encontrar/A veces soy un depredador/otras un ratón/corriendo por los lados”).
La ruta tiene ese encanto adictivo, pero siempre es un viaje disfrutable si tenes en algún momento un punto de llegada: “Estuve afuera en el desierto/puedo usar un poco de ternura/Nena, sé que me puedes traer de nuevo a casa” (“Carry You Back Home”)
“The Open Road” es un disco que si te descuidas va a estar fijado para siempre en la radio de tu auto o en tu MP3 cada vez que decidas tomarte el tiempo para perderte en tus pasos.

7 - WILLIE NILE / THE INNOCENT ONES

Sorprende la llegada de este nuevo disco del rey oculto de las calles de New York, ya que el soberano acostumbra a tomarse largos descansos entre disco y disco.
Poco más de un año separa a su nueva obra del magnífico “House Of A Thousand Guitars” y si piensas que en ese poco tiempo el hombre no puede pelar buenas canciones , viajen directo al segundo tema del disco, “One Guitar”, que tiene un estribillo que se te pega y no te lo vas a poder despegar por mucho esfuerzo que hagas.
“Todos cantemos por los inocentes” nos implora Nile en la canción que titula el disco y nosotros no podemos más que inflamar nuestras gargantas y cantar con él.
Wille es un poeta romántico empedernido y por mas cursi y trillado que suene lo que dice en “Hear You Breathe”: “Yo solo quiero sentir tu respiración/sentir tus latidos en mi mano”, desafío a que levante la mano aquel que no le guste semejante ternura y mas con la melodía irresistible de la canción.
El hombre tiene una infinita capacidad para las baladas esperanzadoras y “Song For You”es otra prueba de ello: “Nena, no llores, no estás sola, así que seca tus lagrimas/no ves que las paredes se están derribando/por cada cadena que se hace más ajustada, hay una luz mucho mas brillosa”
Un mensaje para Jagger y Cia, ya que le robaron descaradamente “She’s So Cold” hace unos cuantos años, aquí tienen otra canción para echarle el ojo: “Topless Amateur”, les caería a la medida, majestades.
Imaginen por un momento a Dylan o a Reed cantando “su celular está lleno con fotos de las estrellas/porque ella no puede ver más alla del techo de estos bares” como lo hace Nile en “Rich And Broken” y sentirán lo afortunados que son de conocer el secreto mejor guardado de la gran manzana.
Aparte de los antes mencionados también las huellas de Petty y de Springsteen resuenan en cada una de las canciones de Willie Nile y hasta encontramos ecos de la Inglaterra del 77 en la veloz “Can’t Stay Home”
Ok, lo reconozco, este disco no está a la altura de sus últimos trabajos. ¿Pero quién, aparte de unos pocos elegidos pueden pelar más de tres obras imprescindibles consecutivas?
Si te gusta el Power-Pop y el Rock N Roll más simple y adictivo; este es tu disco. Como lo dice el propio Nile en “One Guitar” lo único que él tiene es una guitarra, pero mi amigo, con tan solo una guitarra, va abrir las puertas del paraíso.

8 - TOM JONES / PRAISE & BLAME

Tom Jones, si, leyeron bien, Tom Jones, un personaje al que siempre odie y que siempre me pareció la perfecta representación de un terraja. Un hombre que más que un cantante, me parecía un hombre de plástico. Horrendas versiones de canciones como “Are You Gonna Go My Way?” me mantenían lo más alejado posible del tigre de Gales…..hasta ahora.
Un gran revuelo se había armado con este disco antes de salir ya que el vicepresidente de su compañía lo habita tildado como una “Tomadura de pelo”.
Sorpresa mayor me lleve cuando luego de pasar por una correcta versión de “What God I Am” de Dylan, el disco estalla en llamas con el Blues dinamita de “Lord Help”.
El productor Ethan Johns (Ryan Adams, Kings Of Leon, etc.) es a Jones lo que Rick Rubin a Johnny Cash.
Johns viste al tigre con una nueva piel que no necesita adornos, una piel compuesta por retazos de la de los olvidados viejos bluseros
Muchas de estas canciones ya fueron versionadas por muchos, principalmente por Johnny Cash, pero solos muy pocos pueden dotarles de la electricidad necesaria para encender al alma.
“Praise & Blame” está compuesto mayormente por nuevas versiones de canciones tradicionales, de gospels y por incendiarios Boogies Boogies y Blues de la peor calaña como “Burning Hell” de John Lee Hooker, donde Tom Jones deja la vida cantando con su mastodonte vozarrón : “Quizás no hay cielo/Quizás no hay infierno/Un infierno ardiente” y “Run On” una actualización de la legendaria “God’s Gonna Cut You Down” en donde Jones nos advierte “Que por más que corras/tarde o temprano/dios te va a cazar”.
En “Don’t Knock”, Jones se bate a duelo con unas féminas en una espiral de Rhythm & Blues.
¿Se puede aportar algo nuevo a la archiconocida “Nobody’s Fault But Mine”? pues bien, escuchen el lento viaje de esta nueva versión, blusera, oscura y pesada como la letra misma: “Si mi alma se pierde/nadie más que yo tiene la culpa”.
En “Didn’t It Rain” nos encontramos en la iglesia del Boogie con John Lee Hooker y Bo Diddley como predicadores y con una congregación de jóvenes pecadoras, que ansían que las manos del celestial las roce al ritmo del piano Hony Tonk.
En el disco participan leyendas como Booker T, Augie Meyers y Benmont Tench y luminarias de la Americana como Gillian Welch y Dave Rawlings.
Esperemos que “Praise & Blame” sea la primera parada de una larga serie. Tom Jones al menos a los 70 años ha empezado a dar las primeras señales y ostenta orgulloso una blanca cabellera.
Increíble pero hoy mi discoteca muestra orgullosa un disco de Tom Jones, quien lo iba a imaginar. Si o no abra que dar las cosas por sentado!!!!!!

9 - ISOBEL CAMPBELL & MARK LANEGAN / HAWK

Hay varias sorpresas en la tercera entrega de este imposible dúo entre el bombón de Isobel Campbell y el forajido de Mark Lanegan.
Para empezar ampliaron su lista de invitados, en "Hawk" se dan una vuelta Willy Mason quien canta en dos canciones (“No Place To Fall” y “Cool Water”), el guitarrista de los Smashing Pumpkins, James Ilha toca la guitarra en "You Won't Let Me Down Again" y hay dos versiones del gran Townes Van Zandt: la anteriormente mencionada No Place To Fall" y Snake Song".
La otra gran sorpresa son esas dos imponentes canciones cargadas de maldad, Boogie Boogie y de Rhythm And Blues de los infiernos que son: “Get Behind Me” y la canción que titula al disco.
“Hawk” está a la altura del primer disco de la pareja con esos blues de carretera y canciones polvorientas como “You Won’t Let Me Down Again” que invitan a golpear las botas tejanas contra la árida tierra mientras el sol derrite las cuerdas de la guitarra al compas de un oxidado punteo.
El disco lo compuso ella solita en una cabañita cerca del desierto de Arizona, lugar que como todos ustedes saben, muchos acuden a reencontrarse con la musa sagrada.
Mark Lanegan lleva la voz cantante a lo largo del disco con la sedosa voz de Isobell haciéndole de colchón para que juntos se revuelquen y se recorran cada centímetro de piel desnuda.
“Come Undone” le roba un poco a la intro y el clima de “It’s A Man’s World” de James Brown para construir ese vals de hotel barato y “Time Of The Season” podría haber sido escrita perfectamente por Fred Neil.
Hay Dylan de fines de los setenta y principios de los 80’s en “Lately” y hay influencias celtas en “Eyes Of Green”
Luego de una noche de sexo salvaje y de una borrachera descomunal, sales a la mañana al estacionamiento del hotel con los ojos destrozados en mil pedazos por los primeros rayos de sol y sientes que la brisa infernal trae la melodía de “Sunrise” la que te envuelve en un adictivo néctar y te arrastra de nuevo a la oscuridad de la habitación, donde ella no despertó, pero seguro te está esperando.

10 - ROBYN HITCHCOCK & THE VENUS 3 / PROPELLOR TIME

“Propellor Time” se empezó a grabar inmediatamente después de registrar el imprescindible “Ole Tarantula” en 2006.
El cuerpo principal de las canciones se armo en la propia casa de Hitchcock en Londres en un clima muy relajado y luego a lo largo de tres años, Hitchcock las fue perfeccionando y editando hasta que quedara completo a su gusto.
Parte de este proceso de grabación lo espiamos en el documental “Sex, Food, Death & Insects” que se hizo sobre el cantante para el canal Sundance.
El núcleo principal de los Venus 3 ( Peter Buck, Scott Mc Caughey y Bill Rieflin ) se ve expandido por la presencia de viejos compañeros de Robyn como Morris Windsor y de luminarias tales como Nick Lowe que canta en “Star Of Venus”, “Sickie Boy” y en la magnífica “The Afterlight” la cual ya había sido editada en el Ep que acompañaba al documental, pero en este caso se le saco todo el espíritu Reediano que aquella versión poseía, para convertirla en una perfecta canción Folk bien rutera.
El hombre de los Smiths, Johnny Marr impone su sabiduría en “Ordinary Millonaire” y el renacentista hombre de Zeppelin, John Paul Jones hace vibrar la mandolina en “Luckiness”.
“Lo que vos llamas Dios, Yo lo llamo evolución / Lo que vos llamas destino / yo lo llamo mama y papa/Ellos te vuelven loco/tu mama y tu papa/ Ellos son lo que tuviste o nunca tuviste” Canta Hitchcock en el cierre del disco “Evolve” y nos transporta de un golpe al “I Often Dreams Of Trains” o a cualquier disco con los Egypsians.
“Propellor Time” es un disco que comenzó siendo un “The Basement Tapes” y que podría haberse transformado perfectamente en su propio “Chinese Democracy, pero por suerte Hitchcock no es tan tarado como Axl Rose para estropear su obra y este “Propellor Time” es una prueba más de que Hitchcock por más que quiera nunca va a poder hacer un álbum malo.

11 - PHOSPHORESCENT / HERE’S TO TAKING IT EASY

En el quinto disco de Phosphorescent, Matthew Houck, el bardo líder y alma Mater de la banda hace contacto con los espíritus errantes que vagabundeaban Topanga Canyon a fines de los sesenta y principios de los setenta.
Luego de una larga parada por esos valles de California, estos espíritus lo llevan de paseo por Memphis y Nashville para dejarlo bajo un árbol en el medio de la nada, perdido en una inmensa pradera, para que se eche una siestita.
Cuando despierta, Houck marcha presuroso al estudio de grabación y se pone manos a la obra dando a la luz a un disco que tiene mucho de Country - Soul (“It’s Hard To Be A Humble (When You Are In Alabama)”, de Jackson Browne y de ese luminosos sonido de la costa oeste norteamericana (“The Mermaid Parade”) y de Bonnie “Prince” Billy (“We’ll Be Here Son”).
“Here’s To Taking It Easy” es un perfecto disco de Country-Rock, consecuencia directa del anterior trabajo de Phosphorescent que era un tributo a la obra de Willie Nelson (“To Willie”) y que marcaba un cierto alejamiento de los etéreos y ancestrales sonidos que dominaban “Pride” su trabajo de 2007, disco que podría pasar por uno de los trabajos más claustrofóbicos de Will Oldham (Bonnie Prince Billy).
Cuando estamos llegando al final del disco es cuando el sol de California brilla mas entregándonos dos soberbias canciones: “Heaven, Sittin Down”, donde el ancestral sonido de Gram Parsons se cruza con los Wilco mas vaqueros y “Los Angeles” hija directa de “Vampire Blues” de Neil Young en donde Houck canta desafiante: “No estoy viniendo a Los Angeles solo para morir”.
Y es en esta canción final donde el espíritu del “On The Beach” del canadiense termina de redondear un gran disco que nos deja hambrientos de más.

12 - JON DEE GRAHAM / IT’S NOT AS BAD AS IT LOOKS

El texano de Graham posee una voz rasposa que fue ganada a base de millas de carretera y de horas en estudios de grabación lo que le dio a Graham ese estatus de músico legendario principalmente en la ciudad de Austin.
El que fuera miembro junto a Alejandro Escovedo de los True Believers en los años80’s este año entrega un disco que tiene a Neil Young como figura omnipotente.
En la apertura del disco Graham tiene la valentía de un superviviente para responderle a Young sobre “The Needle And The Damage Done” en la que según Graham, a pesar de ser un fan empedernido Young, ha empleado una errónea metáfora para describir a un adicto. Así canta el texano en “Beautiful Broken” : Neil Young y El Daño Hecho/El lo capto mal/El nunca fue un adicto como una puesta de sol/Ellos son Hermosos Rotos/Tan simple como eso”).
En la saltarina y viajera “My Lucky Day” Graham nos cuenta lo que un día tiene que tener para ser grandioso, historia que según él, es verídica: “Manejando por el centro/En la radio está sonando/Neil Young, The Who, The Clash/”Cortez The Killer” ,”Behind Blue Eyes”,”Should I Stay Or Should I Go”/Este seguramente es mi día de suerte”).
El espíritu de Crazy Horse le hace una visita en “La La (La-La-La)”
El título del disco (“No esta tan mal como parece”) es la frase que Graham le dijo al policía que vino a socorrerlo luego de accidente que el texano tuvo por quedarse dormido al volante luego de un show, accidente del que se salvo por milagro.
Y pensaron mal si creen que el tono del disco es mortuorio, todo lo contrario, la cosa viene por el lado de celebrar las pequeñas cosas que te da la vida, las que te dan el coraje necesario para sobrellevar los malos momentos y la fuerza necesaria para entregarte de lleno a las segundas o terceras oportunidades que se nos cruzan en nuestro camino.
Las coordenadas musicales del disco van por el lado de la mejor Americana y de la sabia influencia que derrocha el cancionero de Springsteen y Tom Petty. En el disco hay Blues como en “God’s Gonna Give You What You Need”, una prima más acelerada de aquella “You Gotta Move” de los Stones.
Hay hermosas baladas de Folk Rock como “Burning Of The Cane” y “Gilead”, increíbles canciones mid tempo de Pop-Folk (“I Said” y “Pop Song”).
Tras el volante, como tantos miles de discos de esa cosa llamada Americana, es cuando el disfrute del disco es completo.

13 – LLOYD COLE / BROKEN RECORD

Luego de varios años grabando discos casi acústicos y semi electrónicos, (su último disco “rockero” había sido “The Negatives” de 2001), este año Lloyd Cole decidió volver a poner su majestuosa voz al servicio de una banda.
Viejos conocidos del británico dicen presente: Fred Maher el gran batero que toco con Lou Reed, la voz de Joan (As Police Woman) y Blair Cowan compañero de Lloyd en los Conmotions.
Por más que el disco comience con la lapidaria frase “No es que me quede mucha dignidad”, no estamos aquí ante un disco que es un bajón insoportable de un hombre llorando porque este a las puertas de los 50 años, todo lo contrario, “Broken Record” es un disco delicioso, majestuosamente ejecutado de Folk, County y Pop- Rock con toda la influencia de su amado Leonard Cohen.
En “Writers Retreat” roba (sin darse cuenta, asumo) la melodía de la joya de Steve Wynn “Who’s My Little Girl” que se encuentra en un disco que el propio Cole podría versionar enterito y haría las delicias de los paladares más exigentes: “Sweetness And Light”
“Westchester County Jail” y “That’s Allright” podrían entrar sin problemas en cualquiera de los discos de su vieja banda o en sus primeros y grandiosos discos solistas, principalmente en “Bad Vibes”.
Agradecemos con una gran sonrisa y el golpeteo incansable del pie contra el suelo siguiendo las increíbles melodías del disco, la vuelta de Lloyd Cole a bañarse en las estimulantes aguas de la creación de grandes canciones.

14 - DIRTMUSIC / BKO

Segundo y sorpresivo disco de este supergrupo de exiliados: Chris Brokaw (Come), Chris Eckman (Walkabouts) y Hugo Race (Bad Seeds).
En su disco debut recorrían las carreteras desérticas de la americana pero en este segundo trabajo las cosas cambian.
Lugo de tocar en el festival del desierto en Mali, estos músicos quedaron encantados con la experiencia de tocar allí y de escuchar las bandas locales, especialmente les llama la atención Tamikrest, con los cuales se ponen a tocar sin parar por casi tres días.
Un año después de tan extasiada experiencia, los tres deciden viajar nuevamente a Mali para tratar de capturar en cinta la magia de aquel encuentro.
“Bko” es el nombre del aeropuerto de Mali en donde aterrizaron con sus canciones.
El disco abre con la poderosa “Black Gravity” que es una perfecta mezcla entre el sonido de los Walkabouts de su último disco y de los Tamikrest, pero es en la segunda canción : una versión de “All Tomorrow’s Partys” de los Velvets donde la magia de la arena del desierto africano se vuelve oro, en donde los drones de la original son sazonados con un hipnótico blues percusivo alejando a la canción de las alcantarillas y llevándola a una fogata en el medio del desierto africano donde en una ceremonia tribal se intenta abrazar lo inexplicable.
Con esta versión, Dirtmusic entra sin permiso a formar parte del Olimpo de los que se atrevieron con una canción de los Velvets y fueron alcanzados por el hechizo del plátano.
Los canciones entran en un transe alucinógeno y nos movemos milimétricamente al son de “Desert Wind” y de la instrumental “Niger Sundown” en los que la puesta del sol nos encuentra con los ojos semi cerrados tumbados en el suelo en donde las moscas que vuelan a nuestro alrededor se transforman en mariposas fosforescentes que van adquiriendo más brillo a medida que el sol se retira.
De ahí en adelante nos sentimos arrebatados del suelo por una tormenta de arena que nos lleva mas alla de las nubes con canciones en los que los intérpretes despliegan sus credenciales: “Bring It Home” es puro Bad Seeds de la era del “The Good Son” y “Collisions” es una canción pop que podría pasar por un outtake de Luna o de alguna banda Indie de los 90’s.
El disco se mueve en un perfecto balanceo entre las dos culturas con un gran pilar que lo sostiene, algo que tanto los cultores de la buena música americana y los músicos Mali
posen en su ADN: el Blues.

15 - JOHN MELLENCAMP / NO BETTER THAN THIS

Si “Life, Death, Love & Freedom” su sublime álbum de 2008 era su propio “Time Out Of Mind”, digamos entonces, que siguiendo la estela Dylaneana, este sería su “Love & Theft”.
Este álbum también está muy conectado con su propio disco “Trouble No More” de 2003, aquel disco en donde Mellencamp volvía a encontrarse con sus raíces haciendo versiones de canciones tradicionales y blues ancestrales. Un disco de obligada audición para entender los últimos pasos del “Puma”.
“No Better Than This” es un viaje en el tiempo hacia las entrañas del Rock N Roll y del Folk. Producido nuevamente por el gran T Bone Burnett, el disco se grabó en Mono en históricas locaciones como los estudios Sun en Memphis, el cuarto 414 del Hotel Gunter en San Antonio donde Robert Johnson grabo algunas canciones y en la Primera Iglesia Bautista Africana en Savannah, Georgia, una de las congregaciones religiosas más antiguas de Estados Unidos.
El disco se grabo usando equipamiento de los 50’s y se registro con tan solo un micrófono y la banda tocando a su alrededor, directo y sencillo como en los viejos tiempos.
De entrada con “Save Some Time To Dream” nos ubicamos en los estudios Sun y las huellas de todo lo grabado en ese mágico lugar cobran vida en este machacón vals. “Guarda un poco de tiempo para soñar/Porque ese sueño nos puede salvar a todos” nos advierte Mellencamp parado ante el altar de la canción: “Prepárate para el fracaso/te dará fuerza algún día/Trata de mantener tu mente abierta/Y acepta tus errores.”
En “The West End” el cronista ve como todo cambió a su alrededor y no precisamente para bien: “Vivía en el West End/Pero todo ha cambiado aquí desde que era un chico/Esta todo mucho peor ahora/mira lo que el progreso ha hecho (...) Algún día nadie recordará/Como este lugar comenzó”. En esta canción Marc Ribot dibuja increíbles pasajes con su deforme guitarra.
“Right Behind Me” grabada en el mismo rincón del Hotel Gunter donde se sentó Johnson obviamente trata sobre el diablo: “Conozco a Jesús y Conozco al Diablo/Ambos viven dentro de mí”, el espíritu difuso del Blues Man se dibuja en las curvas que forman el desolado violín de Miriam Sturm.
La canción que titula el disco es un rockabilly digno del Rey y de cualquier blancucho que paso por los legendarios estudios para atrapar en unos minutos la magia de la música negra.
“Coming Down The Road”, el danzarín lamento solitario de “No One Cares About Me” y el blues de “Each Day Of Sorrow” son canciones ideales para que reboten en las paredes de Sun y se eleven por los cielos hasta llegarle al corazón de Johnny Cash este donde este.
La última de estas tres es tan desafiante como “If I Die Sudden” de su anterior disco, en donde el protagonista se enfrenta a la religión con el puño en alto (pero con un cagaso de novela) y le dice a los ángeles que “No pierdan el tiempo con mi alma/No soy bueno para nada/Si no estuviera tan asustado/me tiraría aquí mismo y me dejaría morir”
Los sagrados rincones de la primera iglesia baptista africana le da a Mellencamp lugar e inspiración para grabar dos hermosas canciones de amor: “Thinking About You” y “Love At First Sight” y las dos canciones de cierre “Easter Eve” y “Clumsy ol’ World” tienen mucho del joven Dylan.
Al terminar de escuchar “No Better Than This” se hace difícil caminar por las calles de la apestada urbe sin pensar que todo se fue al carajo…..”Ya no existen códigos” le dice un tipo a otro a mi costado, “no creo que se consiga algo mejor que esto (No Better Than This) en el futuro” me repito a mi mismo mientras mi mente está en algún lugar muy muy lejano.

16 - VARIOS / WE´RE ONLY RIDERS – THE JLP SESSIONS PROJECT

La versión oficial dice así : El guitarrista Cypress Grove (fiel partner de Jeffrey Lee Pierce) estaba limpiando su apartamento cuando se encuentra con una caja que reza “JLP Songs” unas cintas que contenía canciones que habían grabado juntos en 1992 y que nunca las habían editado.
Pero la verdadera historia es que el alma de JL Pierce se escapo de los parajes de la eternidad para encargarse de que se haga justicia con unas canciones que echaban polvo en una caja olvidada por el tiempo.
Pero su plan no era que se editaran así como estaban sino que conjuró alguna magia sobre algunos artistas que saben lo que es tener piel de diablo para que las grabaran.
Por eso nada más ni nada menos que Nick Cave para abrir el disco con la pantanosa “Ramblin´Mind” canción que podría haber sido incluida en el “Your Funeral My Trial” del australiano : “Él tiene una mente vagabunda” canta Cave y el alma de Pierce viaja enloquecidamente por el espacio haciéndole finitos a las estrellas.
Mark Lanegan es otro gran protagonista del disco, como solista (“Constant Waiting”) o con la hermosura de Isobell Campbell (“Free To Walk”).
Pierce era un rabioso fan de Blondie (tal, que formo un fan club y se mudo de los Angeles a New York para estar cerca de ella) por eso que el corazón de JLP se rompió en mil pedazos y se volvió a armar como copos de algodón cuando escucho lo que la blonda hizo con “Lucky Jim” y “Free Walk” a dúo con Nick Cave.
Por el disco pasan también saludando al maestro The Raveonettes, Johnny Dowd, Mick Harvey, The Sadies, David Eugene Edwards, Crippled Black Phoenix y el propio Cypress Groove.
“Jaque Mate, finalmente los tengo adentro mío” exclamo Pierce al escuchar el último suspiro de la canción que cierra el disco “Walking Down The Streets” en donde Lydia Lunch comanda a las almas que pasaron por el disco hacia un viaje directamente a la mente de ese gran genio que fue Jeffrey Lee Pierce.

17 – CHRIS BRECHT / DEAD FLOWER HOTEL

Chris Brecht es otro de esos clones perdidos de Dylan a lo largo de las bastas tierras del norte, junto con su banda Dead Flowers registraron “Dead Flower Hotel” un disco que como si fuera un hotel construido a base de Folk y Country Rock, se alojan en sus diferentes habitaciones los Felice Brothers y My Morning Jacket (“Hollywood”), en los recovecos se esconden los ecos de anónimos músicos vagabundos que cuando no hay nadie despierto se hacen escuchar como en la delicada “Blue Thunder” y en el hall hay un monumento a The Band que cobra vida cuando suena “Wish You” y está también la sala de juegos, pegado al Burdel donde está la banda del salón rabiosa tocando el boogie de “Devil” y Dylan siempre Dylan....simplemente esta en cada centímetro del hotel, es el propietario y se para frente a tu cara y te dice “Hola” en la saltarina “Not Where You Are”.

18 – GIANT SAND / BLURRY BLUE MOUNTAIN

“Blurry Blue Mountain” sigue el rastro dejado por el anterior disco “Provivsions” o sea que es un disco que navega por los opuestos de un día, el amanecer y el anochecer, un disco de penumbras y de tibios rayos de sol. Grabado entre Dinamarca y Arizona, pero semejante salto geográfico no altera nada el estado de ánimo del disco, no importa hacia donde se mueva Gelb, su valija siempre lleva en su interior un poco de arena del desierto.
La soberbia autobiográfica “Fields Of Green” da el empujoncito inicial para que el disco descienda por la montaña a una constante velocidad de agradable paseo: “Ahora ando por los cincuenta años/y las largas horas se mueven rápidamente/Los nuevos y frescos Folkies me ven como un pionero” recita Gelb. “Han estado matando a mis héroes/desde que tengo 17”, otra gran verdad musitada por los labios del de Arizona. Muchos ya han matado varias veces a Dylan y a Young (por poner tan solo 2 de los ejemplos más claros) para luego ser resucitados por sus verdugos como auténticos sobrevivientes.
La llave del placentero bólido la lleva el baterista Peter Dombernowsky que con su hipnótico golpear de los tambores levanta una narcótica nube de arena.
Como en todo disco de Giant Sand, no puede faltar la presencia de una voz femenina que caiga como bálsamo angelical. Esta vez es Lonna Kelley quien lo acompaña en “Lucky Star Love” y “Love A Loser”
Hay también en el disco momentos de intimidad Jazzy, principalmente en las baladas de piano “Time Flies” y la anteriormente mencionada “Love A Loser” que perfectamente las podríamos encontrar en el “Blue Valantine” de Tom Waits.
Una revisión de “Thin Line Man” ( se cumplen 25 años del primer disco “Valley Of Rain”, lo que va a disparar la reedición casi completa de la discografía del gigante de arena”) y el blues psicodélico deforme y pantanoso con oleadas de Feedback de “Brand New Swamp Thing” sacuden la marcha y le pega un acelerón al viaje.
“Blurry Blue Mountain” es otro recuerdo más de lo inmensa que es la obra de Howe Gelb.

19 - BLACK FRANCIS / NONSTOPEROTIK

En 2007 para editar su homenaje al malogrado Punk holandés Herman Brood, el ex líder de los Pixies se deshizo de Frank Black para volver a ser Black Francis y con ese cambio de nombre también llego una vuelta a su sonido más crudo.
Aunque pareciera ser que Frank Black quedo enterrado para siempre, lo que no desapareció fue su sonido, que vuelve con todo en este “Nonstoperotik” un disco que nos remite inmediatamente a los 2 primeros discos solistas de Francis (“Frank Black” y “Teenager Of The Year”) lo que es bienvenido y hacen de este disco su mejor entrega desde “Show Me Your Tears”.
Este último trabajo, como bien lo anuncia el titulo, en vez de estar plagado de alienígenas, ciudades futuristas y seres deformes, este está desbordado de Sexo.
“Así como el universo explota/y el mundo se va directo al infierno/y hay gente que trata de separar nuestro amor/yo bajo en ti/no hay nada que pueda romper el hechizo/Bajar en ti/ No hay nada que ame mas en el mundo” nos canta Black en la cachonda y calentona “When I Go Down On You” y en la balada de piano y cuerdas que le da título al disco, donde le canta, quebrándose de ternura, a Violet Clark su esposa, a quien observamos en el librillo luego de tener una gran noche :”Quiero estar adentro/ esa es mi intención/ dentro tuyo”.
En el Groove hipnótico de “Wild Son” el deseo implacable toma el mando “Aquí estoy solo y esperando por otro día/ Puedo escuchar latiendo a mis partes sagradas/ y no paran”
Pero no todo es lujuria y sexo en el disco, también hay espacio para una gran reelectura de “Wheels” original de los Flying Burrito Brothers que desprende polvo y carretera por los cuatro costados y también hay lugar para la increíble historia (y con un sonido muy Pixie) de “Six Legged Man”: (“Podemos empezar una banda, nena/un hombre de seis piernas, querida”).

20 - PETE MOLINARI / A TRAIN BOUND FOR GLORY

Imaginen que van de visita a una casa y en un momento y vaya a saber por qué se encuentran en el garaje de la misma revisando unas viejas cajas que descansan en un rincón. En ella hay una variedad de vinilos. Extraen el primero y quedan embelesados con lo que ven: Un tipo sentado en una silla con toda la pinta de ser un folkie de los 60’s tocando la guitarra, miran la parte de atrás y pueden alcanzar a leer 196…pero le falta un numero. Como la curiosidad no mato al gato colocan el disco en la bandeja y empiezan a escucharlo. Los parlantes atronan con un rockabilly arrollador con unos coros femeninos que emana puro Doo Woop “Street Car Named Desire” llena rodos los espacios de la casa y la voz de Molinari, que por momentos se asemeja a la de Billie Holiday, parece salida del agujero de los tiempos.
“Esto sin lugar a dudas es de 1964 o 1963” piensan. “A Place I Know So Well” la segunda canción es puro Dylan y Pete tuerce y juega con la voz como el propio Zimmerman. “¿1958,1959?” “¿De qué año es este disco?” piensan al escuchar la increíble balada “To Be Close To”. Mientras avanzamos en el disco leemos que están los coristas de Elvis The Jordanaires... la confusión se instala en tu interior:” ¿O sea que las voces femenina no eran tal?”.
“Little Less Loneliness” podría estar perfectamente en el “Please Please Me”
Uaaaaaaaaaaaaaaaauuuuuuuuuuu gritas al escuchar ese blues dylananiano made in “Highway 61 Revisited” llamado “New York City” : “Estoy vivo en New York City / NYC me mantiene vivo” gritas mientras saltas por los sillones.
En la recta final te topas con otro Doo-Woop: “Heartbreack Avenue” que podría haber sido escrita perfectamente por Doc Pomus o por Otis Blackwell y haber sido un rompe listas de éxitos a fines de los 50’s.
Mientras escuchas la exquisita canción regada de tiernos arreglos de cuerda que cierra el disco “What A Day,What A Night,What A Week” miras bien la contratapa del disco y lees para tu sorpresa : Grabado en Nashville en 2009. Sales disparado hacia la PC y lees en la Web que este es el tercer disco de este Inglesito, si leíste bien Molinari es ingles.
“Genio estafador” susurras entre dientes mientras guardas el vinilo en su funda, con los sentidos sacudidos por la bellísima experiencia que depara escuchar cualquier disco de Molinari. “¿Ingles? Las pelotas, este tipo es de alguna galaxia lejana” le gritas a la nada mientras das un portazo y te alejas cantando “Estoy vivo en NYC” mientras que la casa a tus espaldas desaparece.





ABECEDARIO 2010



A


Una foto de su pasado que le llego al líder de los Arcade Fire, Win Butler, fue el disparador temático de “The Suburbs” el nuevo disco de estos canadienses que a pesar de ser opulentos y de llenar cada milímetro de canción con música, nunca tienden al empalago.
Los cambios de un barrio y por extensión, las transformaciones que sufre un individuo al pasar el tiempo y lo difícil que es asimilar esos cambios tratando de mantenerse cuerdos en estos carniceros tiempos, son los grandes temas dominantes en el disco. Y si en el disco tenemos que elegir una canción que represente ese gran tema esa seria “Suburban War” : “Este pueblo es tan extraño, lo hicieron para cambiarlo/y mientras dormimos las calles son rediseñadas/Con mis amigos todo era tan diferente / antes que vos empezaras la guerra de los suburbios/Antes con mis viejos amigos sabíamos cuando te cortabas el pelo/No te vi nunca mas/Ahora las ciudades en las que vivimos parecen estrellas distantes/Y yo te busco en cada auto que pasa”
En lo musical siguen teniendo esa épica que mezcla a partes iguales U2 y Bruce Springsteen con sinfonías New Wave: “Ready To Start” y “Half Light II”.
Pero también hay algunas sorpresas como la Ramoniana “Month Of May”, también aparece la influencia de Mc Cartney en Butler, en la Beatlesca “Deep Blue”.
Lo que si esta fuera de lugar es ese clon electro de canción de Abba que se quedo con las intenciones de ser un gran tema a la Blondie que es “Sprawl II”…aborrecible.
“The Suburbs” no es un disco que este a la altura de sus predecesores (“Funeral” y “Neon Bible”) pero tampoco es un disco aburrido, surcarlo es un viaje placentero y que deja sus pequeñas marcas en el alíen melómano que habita en nuestro interior.

B

Uno de los debuts más interesantes de la temporada fue el de los canadienses The Beauties. En su álbum homónimo dejan claras sus influencias en cada una de las canciones.
“Fashion Blues” tiene todo el espíritu del tercer largo de los Velvets, “Heart Of Stone” comienza con un robo a la intro de “Danger Bird”de Young para luego mutar en una espaciosa canción sureña. “Without You” es su versión de lo que es la Americana para los de Toronto. “Tires Fire Blues” y el blues pantanoso de “You Wish Better For Me” son dos acercamientos al espíritu de los Bad Seeds y de los Beast Of Bourbon.
“Die Die” es una explosión de Spaghetti Western y el cierre con “You And Me” es como estar al final de una fiesta alcohólica con los Wilco.
“Nadie me va a amar como el diablo lo hace” cantan en la viciosa polka rockera que es “Devil Do” y seguramente nadie va a tener los huevos necesarios de sacar este disco luego de la primera escucha.

Luego de un drogón y experimental segundo disco "Directions To See A Ghost" The Black Angels vuelven en "Phosphene Dream" a orientarse más hacia la canción que a las narcóticas jams de su anterior trabajo.Es de agradecer la vuelta de directos temas como "Bad Vibrations" y la marcial y mejor canción del disco "Yellow Elevator #2" que parece salida de un viaje de acido con los Jefferson Airplane y Syd Barrett.
"Sunday Afternoon" es 13th Floor Elevator del siglo XXI ¿ Por qué Rocky Erickson llamo a Okervill River para su disco en vez de a sus paisanos? es una duda que me carcome, mas después de ver un concierto que compartieron juntos este año.La asesina "River Of Blood" sale de una mezcla de la épica de U2, con los colchones sonoros de los mejores Doors con las murallas de feedback de Sonic Youth.
En la simple y directa "Telephone" se cuelan las ondas pop de los sesenta y la melodía de l "I Am Believer" de los MonkeesLas canciones del nuevo disco de estos Ángeles Negros parecen haber sido concebidas en una salvaje noche de sexo entre la batería y el bajo para luego de grande la criatura ser presentada al resto de la banda para que la vean crecer.
Black Francis muestra su lado más retorcido y experimental en su segunda entrega de este año, el soundtrack de "The Golem" una expresionista película muda alemana de 1920.
"The Golem" es un monstruo creado por un rabino para proteger a su comunidad, pero rápidamente las cosas se salen de control lo que le da Francis espacio para crear su propia galería de personajes.
El sonido del disco remite al de sus primeros trabajos solistas y al "Dog In The Sand" y se nota le presencia de su viejo camarada Eric Drew Feldman por todos los rincones del álbum.
Hay pinceladas de Free Jazz en el saxo de Ralph Carney ( gran protagonista del disco)en "Makanujo"y pulso de soul de Memphis en "The Flower Song".
En "Astaroth" con su apagado gritito del comienzo me hace acordar a la vieja "Oddball" y en "Custom All The Way" hay una flauta ondulante que viaja libremente al ritmo de la melodía.
Este disco tiene vida asegurada fuera de la película, tanto que podría haber venido como bonus del "Nonstoperotik".

No es de extrañar que el nuevo disco de los Black Keys se llame “Brothers” ya que a su sexto trabajo, Dan Auerbach y Patrick Carney llegan como un solo superhombre.
“Brothers” sigue expandiendo a un mas el sonido desplegado en “Attack & Release”; a esos duros sonido de Hard Rock y a ese infeccioso soul que mandaban en su último disco le agregan un poco de disco deforme (“Everlasting Light”) y un poco de T-Rex y Gary Glitter (“Howlin’ For You”).
El disco fue grabado en los legendarios estudios Muscle Shoals y su intoxicado ambiente se apodera la recta final del disco con “Never Give You Up” y “These Days”.
Si queres revivir a los viejos Black Keys de los primeros discos basta escuchar la Hendrixiana “She’s Long Gone” que es un pasaje directo a la niebla purpura.

Los Black Mountain nos entregaron este año otra de sus dosis Sabbath-Folk-Pink Floyd-Psicodelia-Purple-Zeppelin llamada “Wilderness Heart”.
“The Hair Song”, “Old Fangs”, “Let Spirit Ride” y la canción que titula la disco, son cuatro estrellas fugases que atraviesan el cielo setentero hasta llegar al siglo XXI y explotar en nuestros oídos.
En “The Space Of Your Mind” nos parece es cuchar al líder de los Mekons, Jon Langford y en el cierre “Sadie”, asistimos al atardecer desde la cima de la montaña negra, mientras las voces de Stephen McBean y Amber Webber nos anuncian que “es tiempo de ir a casa”.

Los Bo Deans siguen transitando el lado más pop de la ruta americana con “Mr Sad Clown”, un disco muy luminoso e impecablemente ejecutado. El álbum abre con la deliciosa “Stay” en donde las trompetas juegan un papel fundamental.
Otro de los grandes momentos del disco está en la Sprinsteeana “Say Goodbye” y en “Headed For The End Of The World” una canción con el sello clásico de los Bo Deans. Pero lamentablemente hay muchos momentos en el disco donde el álbum patina y el auto se nos cae por la banquina, como por ejemplo en esas baladas edulcoradas y empalagosas como “If” en donde más que escuchar a la banda de Kurt Neumann y Sammy Llanas nos parece estar en presencia de alguna canción del pedorro de Bon Jovi.

En este 2010 me pone contento que finalmente Harlan T Bobo haya encontrado finalmente el amor. Luego de revolcarnos con placer de buitre en el dolor que significo su gran disco de separación “Too Much Love” y de hacer la digestión con “I’m Your Man, este año llega “Sucker” su disco de “Bueno, ahora finalmente, me siento bien, pero te cuento que la pase mal y que ahora de vez en cuando igual los nubarrones pasan por mi cabeza”.
Hay en el disco muy buenos arreglos de cuerda : (“Life Is Sweet”) , Rock con sangre de Memphis (“Hamster In A Cage”) , canciones con la impronta del álbum blanco de los Beatles : (“Oh Boy”), explosiones anfetaminicas (“Crazy With Loneliness”, “Bad Boyfriends” y en la podredumbre sonora de “Energy”), reflexiones acústicas : (“Old Man”) y hasta su propia “Perfect Day” en la que celebra que “Es tan bueno no estar solo/Vos y yo podemos hacer lo que queramos/es un día perfecto”.

Bravo Johnson en un grupo californiano que esta comandado por Ric Amurrio, quien tiene padres de origen español y que en sus filas milita otro español, Hendrik Rover de los Deltonos lo que lo hace tener, a la banda, una gran conexión con la península ibérica
En "Come And Taste The Sun" los sonidos de la costa oeste americana explotan en un crisol de colores, americana y folk rock del bueno. La influencia de Neil Young se nota a lo largo del disco principalmente en "Rider" y "Bird".
En "Ez Chain" se culean también unas influencias sureñas.
Uno de los momentos cumbres del disco es el maravillosamente hipnótico viaje de "Run"
Johnson es de escucha obligada si en tu vida gente como el canadiense y Wilco forman parte de tu ración diaria.

Si en tu discoteca tenes algunos discos de Lucinda Williams y de J J Cale, entonces los discos de Pieta Brown le van a hacer buena compañía.
Su voz recuerda mucho a la de la cantante de los Sundays, Harriet Wheeler.
”One and All” es su sexto trabajo y está producido por el genial guitarrista Bo Ramsey (quien ha tocado con Lucinda, entre otros) y en el participa Joey Burns de Calexico.
El tono del disco es reposado, siguiendo los postulados del Folk-Pop y del Country más ondulante y que tiene algún que otro subidon rutero como “El Güero”.

C

Al hombre de Los Pilmsouls y los Nerves, Peter Case, le sucedió algo mientras le estaban haciendo una operación a corazón abierto: en la anestesia que le pusieron se coló alguna mágica sustancia que lo transporto al mismísimo sótano en el sur de Francia donde los Stones grabaron “Exile On Main St”.
Allí bebió de los dedos transpirados de Keith Richards y se dejo tocar por la baba de Mick Jagger en un asqueroso baño de redención.
Cuando despertó “Wig” ya estaba casi completo en su cabeza.
El disco exuda Blues por los cuatro costados, Hay delta, pantano y ciudad en cada una de las canciones. Hay Gun Club, Jon Spencer y hay cuanto músico blanco que transpiro repitiendo una y otra vez las paquidérmicas notas del Blues.
Los Black Keys miran de reojo a la magnífica “Banks Of The River”. En “Dig What You´re Putting Down” nos preguntamos si es un joven Jagger el que canta y toca la armónica.
La intro y buena parte de la melodía de “The Words In Red” es un robo al “So You Want To Be A Rock N Roll Star” de los Byrds, lo que la transforma en el único momento en que el disco se aparta del Blues y parte para los prados Psicodélicos donde descansan los pájaros dylaninaos.
“Wig” es un imponente tótem sonoro imposible de tirar abajo.

A medida que Johnny Cash se acercaba a lo inexorable, se aferraba a la vida con una gran y poderosa arma: su voz.
Por más que su cuerpo estaba muy debilitado y su corazón lloraba la muerte de su esposa June, era su voz la que le daba fuerzas para seguir.
Como no podía ser de otra forma “American VI: Ain’t No Grave” abre con un gancho directamente al mentón: “No hay tumba que pueda guardar a mi cuerpo/Cuando escuche el ruido de las trompetas/voy a salir del suelo/Encuéntrame / Jesús, encuéntrame/ Si estas alas no me fallan/te encontrare en cualquier lado” canta en la canción tradicional que titula la que posiblemente sea la última parada de las American Recordings.
La mayoría de las canciones que encontramos aquí, fueron registradas en las mismas sesiones que las que formaron parte del volumen V de la serie. Son mayormente canciones Country, tradicionales y Gospels, hay también una versión de “Redemtion Day” de Sheryl Crow y hasta una propia del hombre de negro “I Corinthians 15:55” ( “Déjame navegar/con mi barco hacia el este/voy a mantener mi vista en la estrella del norte/y aunque el viaje no sea bueno para el hombre o la bestia/voy a estar seguro ahí donde estés”).
Con el canto de despedida hawaiano “Aloha Oe” se cierra uno de los más secos y desolados volúmenes de las American Recordings y si cerramos los ojos a medida que la canción se esfuma podemos ver a Cash y a June tomados de las manos entre la bruma de la eternidad.

Edwyn Collins sufrió en 2005 una doble hemorragia cerebral que lo dejo con la parte derecha de su cuerpo paralizado y con problemas en el habla lo que supuestamente marcaba el fin de su carrera como músico.
Pero gracias a una milagrosa recuperación lo tenemos de nuevo con “Losing Sleep”, donde lo encontramos dándole batalla a la vida y tomando de lleno esa bolsa de oportunidades de aquellos que estuvieron al borde de la muerte.
“What Is My Role?” es un bólido carretero que exuda vitalidad. Un pedazo de perfecto Pop: “A veces estoy bien, a veces estoy mal y me pregunto cuál es mi rol” dudas que adquieren un urgente significado cuando uno está postrado.
Alex Kapranos de los insufribles Franz Ferdinand, Roddy Frame de los Aztec Camera y Johnny Marr le ayudan en la creación de esta joyita de Pop-Soul británico.

Los discos de los Cowboy Junkies no son cosa fácil de digerir debido a sus lentos movimientos y a su a veces tedioso ambiente. Los discos de los canadienses a excepción del “Thrinity Sessions” son para ser degustados en un momento especial.
Renmin Park es el parque en China donde Michael Timmins solía pasar sus días con sus dos adoptados niños chinos y es el sonido ambiente que el escuchaba en esas tardes es lo primero que nos llega al poner play.
Al comenzar “Renmin Park: The Nomad Series Vol.1” percibimos erróneamente que la cosa no ha cambiado mucho (la canción que da título es una hermosa balada en la que la guitarra acústica parece pulsada por Neil Young,), pero es de agradecer que al avanzar el disco aparezcan sorpresas de la mano de la experimentación, lo que hace que pocas canciones de este trabajo tengan lugar en cualquiera de las anteriores obras de los canadienses.
Es en la segunda canción del disco (“Sir Frances Bacon At The Net”) donde se despliega la grandeza del disco, un pesado machaque de tambor y unas ráfagas eléctricas que parecen salidas de alguna producción de de T Bone Burnett. Un loop de un ejército chino marchando y la voz de Michael Timmins que hace una bienvenida entrada para acompañar a Margo. Canción más cercana a Sonic Youth que al folk que despliegan los Cowboys.
Los climas lentos característicos de la banda se ven sacudidos por ese Folk-Rock viajero de “Stranger Here” y por el duelo rítmico de batería y violines de “My Fall”.
En la climática “Cicadas” hasta nos parece estar escuchando a Marianne Faithfull y en “A Walk In The Park” nos parece estar ante la presencia de Massive Attack (con oleadas de Feedback made in “White Light/White Heat” incluidas), si leyeron bien, Massive Attack, muy lejos fueron los Cowboy Junkies en busca de la musa.
Al terminar de escuchar “Renmin Park” no es raro que pensemos que este es uno de los grandes discos de la carrera de los canadienses.



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D

La primera reacción que tuve al enterarme de la edición de "See My Friends" el disco de dúos de Ray Davies donde recrea perlas del cancionero Kinks fue el de una leve decepción, ya que esto anunciaba que su ultimo gran disco solista "Workingman's Cafe" no iba a tener continuación.
Pero rápidamente esa decepción desapareció al dispararse el primer track : "Better Things" junto a Springsteen, quien se apropia de la canción y le incorpora toda su impronta....y así con el correr del disco cada uno de sus invitados le da nuevos giros a sus clásicas composiciones y hasta el mismísimo Davies se mimetiza con los estilos de sus compañeros de turno logrando momentos máxima gozadera como "You Really Got Me" junto a Metallica, "This Is Where I Belong" con Black Francis ( quien la ha tocado varias veces en vivo a lo largo de los 90's), "Waterloo Sunset" con Jackson Browne y "Til The End Of The Day" junto a Alex Chilton en una de sus últimas grabaciones.
Bueno, pero no se piensen que todo es tan perfectito, también tenemos a Bon Jovi arruinando "Celluliod Heroes”, pero no se preocupen: para esto se invento el botón Skip.

Los luminosos Dr. Dog entregaron este año otro producto que combina Wilco-Beatles-Beach Boys-California y un poco de psicodelia británica llamado “Shame, Shame” y se las ingenian para meter en él una buena dosis de buenas canciones principalmente en la segunda mitad del disco, de “Later” al final.
Este disco es un caramelo muy dulce, especial para saborearlo un intenso día de verano.

Nada pudo hacer el barbado Rick Rubin con el debut de Jackob Dylan. En su debut como solista “Seeing Things”, las canciones eran flojas y grabarlas desnudas con su guitarra tampoco ayudo.
Pero Dylan, en vez de achicarse y tomarse un descanso, continúo adelante y se puso en manos del genio loco de T Bone Burnett y ese cambio en la producción le dio a Jackob para envalentarse y componer grandes canciones.
Como todo disco que toca Burnett, este “Women + Country” tiene su impronta, cosa que no es menor ya que su sello ocupa la mitad de cada canción de este álbum, lo que se traduce en atmósferas densas, golpes tribales, guitarras eléctricas disfrazadas de fantasmas y delicadas caricias de pedal steels y banjos.
Viejos compinches de Burnett (Marc Ribot, Greg Leisz) y la ternura en las voces de Neko Case y Kelly Hogan aportan su granito de grandeza a las canciones y las llevan a las primeras ligas.
“Nothing But The Whole Wide World”: (Estoy aquí en el asfalto/el sol en mis ojos/mujeres y campo en mi mente/dos cosas que me llevaron a la frontera/Ahora no hay mas amores perdidos ni vergüenza”) y “We Don’t Live Here Anymore” son dos composiciones en las que cabalgamos con Jakob y su chica a través de un atardecer en la pradera con el corazón y la mente en calma.





E

El canadiense Fred Eaglesmith había encontrado en su anterior disco, “Tinderbox”, la mezcla perfecta entre Tom Waits y el Country Rock. En su último disco “Cha Cha Cha” ,a esa mezcla le agrega un condimento extra : Cuba o mejor dicho, lo que un canadiense en el medio de la pradera pasado de Acido piensa lo que es la Salsa Cubana.
Por eso lo primero que nos llega del disco es esa rumba psicodélica de “Careless” que te va a dar a ciencia cierta sobre lo que trata el disco.
La voz rasposa de Eaglesmith juguetea en las canciones con las voces femeninas como si estuviéramos en un disco de Johnny Dowd ( otro genio en mezclar Waits con cualquier otro retorcido ritmo infernal). “Ella me hace trampa” canta el águila Smith en “Tricks” y la verdad no queremos saber mucho de que se trata…porque seguramente no está hablando de una angelical mujer.
“Cha Cha Cha” Es un disco caliente, de cabaret, de blues y soul retorcido, de película de David Lynch donde las cortinas rojas se mueven en sensual y narcótico movimiento al ritmo de “Silver Of The Moon”.
Es un placer ver como Eaglesmith sale de su zona segura (Springsteen) y en cada nuevo disco va dando un paso más allá…próxima parada: La dimensión Desconocida.

No paso un año y el hombre lobo ya estaba en el estudio grabando nuevo material. Eels aparco por un momento las canciones de deseo y mando al animal a la cueva para pelar un disco intimista y trágico.
Un disco que como marca su apocalíptico titulo (“End Times”) marca el final de algo, en este caso de una relación. Que vemos como comienza en “The Beginning” : “Ella puso su brazo sobre mi/y me beso/Y todo era hermoso y libre/en el principio”. Y ya en la segunda canción vemos como todo ese amor se va a la basura: “Ella solía amarme/pero ahora todo ha terminado/En mi epitafio se leería algo como/Aquí yace un hombre que quería estar solo” (“Gone Man”).
A cierta edad es más difícil superar el fin de una relación: “Cuando era joven/Eso no hubiera sido tan difícil de superar” (“In My Younger Years”) y al ella partir, todo lo que dejo fue desolación y impotencia para salir adelante, lo que lleva a E a vivir en una falsa autocomplacencia: “Soy feliz viviendo aquí en la oscuridad/En los límites de mi mente”
“Nowadays” es una hermosa y sentida balada Dylaniana y “A line in The Dirt” es una canción al piano con una aire a “Let It Be” y con una dolorosa y real letra sobre lo difícil que es a veces es llevar una relación “Ella se encerró en el baño de nuevo/y yo tuve que salir a mear afuera/Así que estoy golpeándole la puerta/le pregunte “¿Queres estar sola”?/Y ella me respondió “No quiero estar sola, el que quiere estar solo sos vos”. Y finalmente aquí vemos porque todo se fue al traste, no fue por ella, el problema es él y su atormentada alma
“End Times” como todo álbum de separación y de ruptura es doloroso e intimista en el que vemos como el oxido va corroyendo el corazón que alguna vez estuvo vivo y feliz pero que ahora se encuentra amargo y en una pesada oscuridad…..oscuridad que se ve atravesada por el lascivo blues del hombre lobo “Paradise Blues” que perfectamente hubiera estado en su anterior disco.
La trilogía iniciada con “Hombre Lobo”, continuada con “End Times” tiene su cierre con el experimental y nocturno (sic) “Tomorrow Morning”, en donde al final nuestro hombre encuentra el amor “Mi nena me ama” repite a los cuatro vientos en “My Baby Loves Me”. Salud Mr E.


De la mano de los Okkervill River volvió este año el pirete de Rocky Erickson con “True Love Cast Out All Evil” y con el vuelven las gentiles melodías que acompañaban sus escasos discos solistas (“Goodbye Sweet Dreams”) y esos rocks psicodélicos con su marca personal “John Lawman”
Uno de los grandes momentos del disco es el Soul que emana a borbotones en “Think Of As One”
La banda de Will Sheff son perfectos escuderos para las canciones que Erickson escribió a lo largo de años de oscuridad, años en los que la mente de Rocky estaba combatiendo a los demonios internos que subían y bajaban por la sangre del texano.

G

Cada vez que me enfrento al nuevo disco de Howe Gelb mis sensaciones son diferentes, no puedo decidirme si es un gran disco o uno del montón. No sé si mi problema son los aires flamencos tan alejados a mi persona o si las canciones no terminan de cuadrar.
Lo cierto es que “Alegrías” su disco grabado en Córdoba, España y con músicos de la península como Raimundo Amador no va a pasar como una de las grandes obras del hombre del desierto.
Como en el maravilloso “Sno Angel Like You” disco que grabo junto a un grupo de Góspel hace unos años atrás, en este “Alegrías” mezcla canciones nuevas con viejas composiciones, pero aquí hay que decirlo, con menos acierto.
Las nuevas lecturas de “Uneven Light Of Day” y de “Saint Conformity” son las dos puntas del polo, mientras la primera no termina de cuajar y parece que estuviéramos escuchando dos canciones al mismo tiempo , la segunda con ese recitado desértico crea una atmosfera en donde el jazz y las guitarras españolas danzan en perfecta armonía.
Hay rarezas como “The Ballad Of Lole y Manuel” que cantada mitad en inglés y mitad en español y con ese estribillo que dice “Eso no te pega” hay veces que, según el estado de ánimo, es una canción que te balancea con el calor de una rumba y otras en la que odias cada segundo en el que entra el bendito estribillo.
“Notoriety” y “Blood Orange”( quizás una de las mejores canciones del álbum en donde el hombre de Tucson se hace acompañar por la narcótica voz de Lonna Kelley) son dos canciones que no desentonarían para nada en un viejo disco de Gelb.
Cuando llegamos al final, con la bellísima balada “One Diner Town” llegamos a la conclusión de que en cada momento que el disco se aleja de España para adentrarse en el desierto, es cuando su escucha se hace completamente disfrutable.

Otis Gibbs tiene una de esas voces memorables que es imposible olvidar; profunda carrasposa con mucho de Waits, de Cohen y de Robert Fisher, el líder de los Willard Crant Conspiracy, banda con la que Gibbs tiene mucho en común; o sea que de antemano con esto dicho, nos adentramos en los terrenos más oscuros de la americana.
Una foto de Joe Hill (1879-1915) un defensor de los derechos del trabajador que fue ejecutado por un supuesto asesinato adorna la portada de su último disco “Joe Hill’s Ashes” y su malograda vida es el punto de partida para las historias que nos tiene preparadas el bardo de Gibbs; historia de perdedores, de explotados y de mineros que sudan hasta la última gota.
Historias sobre aquellos que intentan derribar la injusticia con un escarba dientes y sobre aquellos que encuentran el amor entre las sabanas de una cama en un hotel barato.
Gibbs no es el primero en cantar sobre Joe Hill, la vida de este personaje fue también transformada en canción por gente como Bob Dylan, Phil Oachs y Steve Earle entre otros.
A pesar de cantar sobre “que en esta vida lo único real es una tumba” es imposible no sentirse abrazado cariñosamente por la perfecta melodía de “Where Only The Grave Are Real”
El espectro de Tom Waits toma vida en el seco blues de “The Town That Killed Kennedy” y la presencia de Billy Bragg (para quien abrió conciertos) se hace visible en “The Ballad Of Johhny Croked”.

La británica de Holly Golightly es otra habitante más, junto a su banda Brokeoffs, de los bosques oscuros y retorcidos de la Americana.
“Medicine County” es un territorio donde habita Tom Waits, Jack White, Nick Cave y anónimos duendecillos cargados de instrumentos y de Bourbon hasta los topes.
De las entrañas del suelo norteamericano emanan lamentos tales como “Blood On The Sadle” y “Forget It” podría perfectamente entrar en una banda sonora del Sr David Lynch o podría ser versionada a la perfección por los Bad Seeds
Lo mejor del disco es ese vals-blues que titula el disco, el saltarín Country &Western de “Escalator” y el blues de “Murder In My Mind”.

Uno de los discos más sentidos del año es el que entrego John Grant. "Como voy a cambiar el mundo si apenas puedo cambiarme los calzoncillos" así abre la desolada y hermosa canción que titula su disco "Queen Of Denmark".
El grupo Midlake le sirve como acompañamiento a este torturado songwriter que deja el alma en cada una de las canciones. Temas que suenan a Grandaddy si le sacamos toda la psicodelia o aun Rufus Wainwright sin tanta histeria.
Grant es Gay y escupe rabia en "Jesús Cristo odia a los putos" (“JC Hates Faggots”) que abre con la confesionaria frase "siempre me sentí incomodo, desde el momento en que nací”.
El disco es una polaroid del interior de un ser atormentado incapaz de llevar adelante no solo una relación sentimental sino que se nos presenta como una persona tan frágil que hasta pareciera que respirar le lastimara.
"I Wanna Go To Marz" es un delicado pop de cámara que haría las envidas del infumable de Antony.
El piano le da coraje a las palabras para salir al exterior, aunque sea solo para describir el lugar donde los sueños van a morir ("Where Dreams Go To Die") canción que meteríamos a prepo en el “Sumday” de Grandaddy o en "The Boatman's Call " de Cave.
En la Pinkfloydiana "Sigourney Weaver" se ve a sí mismo como la actriz en "Alien": matando criaturas para sobrevivir. Cosa que ojala pueda seguir haciendo, ya que “Queen Of Denmark" es una verdadera joya que merece una rápida continuación.

The Great Crusaders son de Chicago, pero al escuchar "Sons Of Daughters" canción que abre su nuevo disco "Fiction To Shame", nos parece estar escuchando alguna banda europea o australiana con el ADN de los Bad Seeds en sus cuerpos.
"Get Down On My Kness" es un oscuro góspel-rock donde manda una armónica del diablo.
La canción que titula al disco es un homenaje sonoro al rock sureño, canción que le podría caer de maravillas a los Black Crowes y "Tear Down The Heart" parece un outtake de Cave de la época del "Let Love In"
Hay también una poderosa versión de "The Killing Moon" de Echo & The Bunnymen que huele mucho a Neil Young.

H

“The Other Side/El Otro Lado” es el nuevo disco del tucsoniano Rich Hopkins.
Junto con su banda The Luminarios mas el agregado de su pareja Lisa Novak entregan otro trabajo que hace emanar Crazy Horse de las entrañas del desierto.
La influencia latina (Hopkins paso una temporada en Paraguay hace años) siempre está presente en cada uno de los discos del hombre, pero este último disco está cargado también de referencias en las letras como por ejemplo en la poderosa “Guajira” por donde se cuela la voz del controvertido presidente cubano pre Castro Batista y en la sentida canción sobre los inmigrantes ilegales que da título al disco, que es el momento cumbre del disco tanto en lo musical como en lo lirico.
“Better Days” es una seda de balada donde la trompeta fronteriza navega entre aguas de armonías, dándole al disco su momento más reposado y nos encontramos con pinceladas de los Byrds en “Good Intentions”
En el disco hay un Tour de Forcé con el ADN del tío Neil: “Breathe In/Out” transita por una autopista pavimentada por una guitarra acústica y una rítmica viajera para que las ruedas de unos punteos electrificados se adhieran al asfalto y rueden marcando el camino.

El legendario tecladista de The Band, Garth Hudson, hoy con 73 años, se dio el gusto y reunió a varios músicos canadienses para versionar el cancionero de la banda en "Garth Hudson Presents A Canadian Celebration Of The Band"
Los puntos altos lo ponen Neil Young quien junto a los Sadies disfrazados de unos Crazy Horse poperos versionan "This Wheel's On Fire", The Road Hammers quienes dejan una musculosa versión de "Yazoo Street Scandal" y los Cowboy Junkies blusean a la manera de Patti Smith en "Clothes Line Saga", dándonos otra muestra más del gran momento por el que están pasando los canadienses
Por la ruta infinita de la banda, también recorren el asfalto Blue Rodeo y Bruce Cockburn, entre otros.

J

No es la primera vez que Jenny Lewis colabora con su noviete Jonathan Rice, pero es si la primera que lo hacen en un disco hecho y derecho. “I’m Having Fun” es el resultado del idilio romántico de la pareja registrado bajo el nombre de Jenny & Johnny.
El disco es una explosión de rayos solares, es puro costa oeste, es una infinita ruta rodeando el pacifico, es un disco ideal para compartir con tu chica reviviendo algún verano perdido de los años 60’s
Es otra prueba más de que cuando Lewis se lanza sola, es mil veces más interesante que lo que hace con su banda de Indie-Folk, Rilo Kiley.
Hay preciosas canciones de Pop-Rock como “My Pet Snakes” y momentos de tierna complicidad “Switchable”. Hay canciones que podrían estar en un disco de U2: “Big Wave” o en uno de Wilco: “Animal”.
“I´m Having Fun es un disco redondito y cálido como debe de ser un atardecer californiano.

La dulce de Eileen Jewell se saco las ganas y le dedico un disco entero a su adorada Loretta Lynn: “Butcher Holler”.
Desconozco las originales de esta leyenda del Country, pero por el resultado logrado por Jewell, imagino que deben de rozar mucho el espíritu de las que hicieron famosa a Lynn.
Como en el impecable “Sea Of Tears” hay que sacarse el sombrero vaquero ante ese diamante en bruto que es el guitarrista Jerry Miller que de tanto swing que tiene te deja babeante y con la lengua afuera.
Mientras esperamos nuevo disco de esta blonda geniecita, “Fist City”, “I’m A Honky Tonk Girl”, “Don’t Come Home A Drinkin” y “You Wanna Give Me A Lift” sirven como delicioso néctar para calmar la sed.

¿T-Bone Burnett, Marc Ribot y Neil Young en un disco de Elton John? No leíste mal, el rechoncho personaje edito un disco junto a Leon Russell llamado “The Union” y en él también participan Booker T, Jim Keltner y Brian Wilson.
¿El resultado? Disfrutable y muy interesante, dicen que Elton lanzaba discos así a principios de los 70’s antes de darse una sobredosis de edulcorante y cocaína.
Young aporta una increíble aparición vocal en “Gone To Shiloh” y hay poderosos demostraciones de Blues-Góspel como “Het Ahab” y machacones ritmos “Monkey Suit”
Según el propio John su modelo a seguir fue el “Modern Times” de Dylan…….Ustedes decidan

K

En cada uno de los anteriores discos de Kid Rock siempre encontrábamos alguna que otra balada de Folk-Rock que hacía que miráramos con otros ojos al blondo personaje.
"Picture" el dueto con Sheryl Crow que está en su disco "Cocky" de 2001 es difícil de olvidar.
Así que no es de sorprender que este año se sacara el hard rock y el rap de encima para grabar un disco entero de puro Rock Sureño
"Born Free" está producido por Rick Rubin y entre la lista de músicos encontramos a Benmont Tench (Tom Petty), David Hidalgo (Los Lobos) y a Chad Smith (RHCP).
"Care" en donde participa Mary J Blinge podría calzar a medida en un disco de los Black Crowes.
El tipo es un súper ventas en EEUU y luego de un publicitado romance con Pamela Anderson, el tipo bajo un poco los cambios y se alejo de los focos, pero eso no le saco las ganas de ponerse el traje de Rod Stewart en la fiestera "God Bless Saturday"
Shery Crow no podía faltar y en la bellísima "Collide" también dice presente Bob Seger. En "Rock On" otra poderosa balada en clave de Blues lo encontramos a Kid Rock en su lado más vulnerable: "Lagrimas en la almohada/es todo lo que dejaste". Sabemos muy bien a quien van dedicadas estas palabras.
En el cierre del disco, con la rutera "For The First Time (In A long Time)” Rock nos dice que se siente como un nuevo hombre, y nosotros al terminar de escuchar "Born Free" le agradecemos el agradable paseo sensorial que nos dio.

L

“Old Devils” nos entrego este año el hombre de los Mekons y los Waco Brothers, Jon Langford junto a su banda los Skull Orchards.
Folk-Rock con dejos de Billy Bragg, o mejor imaginen a Joe Strummer tocando en una banda de Americana. Esas serian las coordenadas para describir el sonido del hombre para los que todavía no sucumbieron a su encanto.
Para los ya iniciados otro viaje placentero por la cabeza de este contradictorio personaje que puede pasar del Honky Tonk al Punk en tan solo un pestañeo y crear baladas tan estimulantes y luminosas como “Luxury” y la soulera “Haunted”.

El disco de 2006 “Last Man Standing” nos trajo de vuelta al mundo de los vivos al gran Jerry Lee Lewis, este 2010 edita “Mean Old Man” disco que al igual que el anterior mezcla covers y originales del hombre acompañado de la creme de la creme del Rock N Roll.
Dicen presente los Stones (Jagger, Richards y Wood) Clapton, Fogerty, Slash, Kid Rock y Willie Nelson entre otros.
Y la lista de temas va de “Bad Moon Rising” y “Sweet Virginia” a “You’Re My Sunshine” y “Will The Circle Be Unbroken”.
“Mean Old Man” es una verdadera fiesta de Rock N roll con las obligadas paradas Country para descansar un rato, besar a tu chica, y seguir hasta el fin de la noche.

Este año volvieron Los Lobos con “Tin Can Trust” y aúllan como en sus mejores épocas. Ya desde la apertura con “Burn It Down” nos regalan una de las mejores canciones de su carrera, ideal para escucharla tras el volante o con unos tragos encima rumbo hacia una noche inolvidable. Canción que incluye las piruetas eléctricas de la guitarra de la señora Susana Tedeschi.
La guitarra de David Hidalgo recorre el disco con nervio roquero a través de atmosféricas canciones como “On Main Street” y con mano blusera y guiadora en la canción que da título al disco (en la cual por momentos hasta pareciera que es el propio Clapton el que está tocando).
“Jupiter Or The Moon” es un verdadero viaje sensorial, en donde la delicada base instrumental se vuelve elástica hasta extenderse al infinito.
Hay un blues instrumental en los que se nos apersona la Double Trouble de Stevie Ray Vaughan: “Do The Murray”
“All My Bridges Burning” es una gran canción de Cesar Rosas que compuso con el poeta de los Greateful Dead, Steve Hunter quien a su vez colaboro en el último disco de Dylan y la verdad que ni esta ni la que cierra el disco “27 Spanish” desentonarían en “Togheter Through Life”.
Como en todos los discos de Los Lobos no pueden faltar las dos cumbiangas para arengar la fiesta: “Yo Canto” y “Mujer Ingrata” (la mejor, sin duda, de las dos)

M

“Leave Your Sleep” el excesivo álbum doble de Natalie Merchant está basado en poesías, canciones de cuna y canciones infantiles del siglo 19 y 20 tanto americanas como inglesas, por lo tanto no siempre ni a cualquier hora es buena idea escuchar este trabajo de la morocha.
El disco es mejor acompañante que actor principal, siendo el disco 2 con sus vientos de New Orleans, el reggae, el Jazz y el Soul mucho mas disfrutable que el Disco 1 donde la modorra solo se altera cuando nos parce escuchar a Belle And Sebastian en “It Makes A Change”.

El británico de Dan Michaelson, quien fuera líder de los Absentee, entrego este año junto a sus Coastguards, la continuación al excelente “Saltwater”, titulada “Shakes”
Un disco que sin llegar al nivel de su anterior, igual da en el blanco con esas baladas que cargan con toda la herencia de Leonard Cohen.
En la quietud de la noche es el mejor momento para dejar que la gruesa y seca voz de crooner de Michaelson te arrope y te relaje.

Un disco nuevo de Elliot Murphy a estas alturas no sorprende a nadie, ni le va a ganar nuevos adeptos, pero lo que si encontramos en cada uno de ellos, de este romántico trabajador del rock n roll es grandes canciones y talento a raudales.
La gran novedad de este disco que lleva su nombre como título es que está producido por su propio hijo de 20 años Gaspar Murphy.
En el disco encontramos la marca de fuego de Murphy en canciones plagadas de imágenes poéticas como en la apertura "Poise n Grace" y en meditativo cierre de "Train Kept A Rolling"
Hay subidones fiesteros como "Rock n roll rock n roll" en donde la guitarra de fiel escudero, Oliver Durand, sigue dejando profundas huellas.

O

El nuevo disco (el numero 22) del veterano David Olney, “Dutchman’s Curve” es una obra conceptual sobre un tema al cual le han dedicado canciones o hasta discos enteros cualquier cantante de Country que se precie como tal: Accidentes y robos de trenes.
Como no podía ser de otra manera ya en la primera canción “Train Wreck” escuchamos a voces femeninas emulando el solitario silbido de una chimenea surcando las infinitas vías y en “Covington Girl” nos movemos al ritmo del monótono deslizar de los vagones.
Por supuesto que los sonidos del disco son 100%Country y Folk, pero hay varias sorpresas: El Doo-Wop de “Little Sparrow”. Hermosas baladas con un tatuaje de años 50’s en el pecho muy cerca del corazón: “If I Were You” (que lastima que Cash ya no está con nosotros si no esta canción era de inclusión obligatoria en los American Recordings).
Hay un toque de hipnótico Jazz en “You Never Know” y ráfagas psicodélicas, abrasivos saxos y una total podredumbre sonora acompañan a “Way Down Deep”, uno de los picos altos del disco.

P

Cuando se juntaron nuevamente Robert Plant y Alison Krauss para grabar la continuación del mágico “Raising Sand” se dieron cuenta que no era el momento adecuado y se dijeron “Hasta la Próxima” ¿para qué forzar algo que nace naturalmente? Ya va a llegar la hora.
Pero Plant quería seguir incursionando en la música americana y en el Folk ingles y llamo al guitarrista Buddy Miller, quien de esto de música folk algo sabe ya que toco con Steve Earle, Emmylou Harris, John Fogerty y en la propia gira del disco “Raising Sand” y quien cuenta con una más que decente carrera discografía por su cuenta.
“Band Of Joy”, título en homenaje a la primera banda que tuvo Plant con Bonham en los 60’s, no es Raising Sand 2 pero no anda muy lejos.
Hay dos sorpresivas versiones del disco “The Great Destroyer” de Low: “Silver Ride” y “Monkey”; la primera árida y levitante y la segunda, fantasmal y experimental. Ambas cuentan con la ayuda de Patty Griffin quien está a lo largo del disco, pero en un papel más secundario que Krauss.
Hay también una espectacular versión de “Angel Dance” de Los Lobos
“House Of Cards” original de Richard Thompson podría haber entrado en “Led Zeppelin III” y “Falling In Love Again” no hubiera desentonado en el disco de los Honeydrippers (el proyecto R&B que Plant formo a principios de los 80’s y que incluye una de las versiones definitivas de “Sea Of Love”).
En “You Can’t Buy My Love” y en el espiritual “Satan Your Kingdom Must Come Down” se notan restos de T Bone Burnett.
A los 62 años, Plant está más cerca que nunca de sus raíces, aquellas que lo impulsaron cuando tenía menos de 20 años a meterse de lleno en la música.

Sin lugar a dudas el disco tributo del año fue para “Broken Hearts & Dirty Windows” en el que se homenajea a la obra de John Prine.
Desde la fantasmal “Bruised Orange” del cantante de Bon Iver, Justin Vernon a la Surfer-Country de “Let’s Talk Dirty In Hawaiian” a cargo de las chicas de Those Darlins, no hay en el disco una versión que sobre, tiene una unidad temática y una coherencia que en muchos discos de este estilo en la mayoría de las veces escasea.
My Morning Jacket, Conor Oberst, Lambchop y Drive By Truckers, entre otros, saludan con su gorro vaquero al viejo John, que sentado con una cerveza en la mano, sonríe de felicidad al ver lo que estos “críos” hicieron con sus hijos.

R

Estaba tan deteriorada la salud de Hugo Race durante las sesiones de “Fatalists” que mientras la banda arreglaba sus canciones, Race yacía en una cama cerca del estudio con neumonía.
En una villa rural italiana en medio del invierno Antonio Gramentieri se hace cargo del disco con sabia mando.
Pero esto en vez de ir contra el resultado del disco, todo lo contrario, estas canciones sobre muerte y el destino caen en la medida justa.
El disco es muy atmosférico y borroso, y no hay nada mejor que describa el sonido del álbum que la foto de una ruta cubierta bajo un implacable manto de niebla que está en el librillo.
En “Fatalists” participa el bajista Erik Van Loo quien trabajara con Willard Grant Conspiracy y Steve Wynn dejando que la guitarra pantanosa y la frágil pero poderosa voz de Race pinte tenebrosas pinturas rupestres como la cruda "Slow Fry" (puro pantano australiano) y la lúgubre versión de "In The Pines" ("Where Did You Sleep Last Nigh").
Un momento de luz entre tanta oscuridad, la da la bellísima "Too Many Zeros".

Nunca es tarde para debutar, si no que se lo digan al genial actor Tim Robbins quien a los 52 años se dio el gusto de lanzar un disco.
Pero esto sinceramente no debería sorprender a nadie ya que la música estuvo siempre a su lado ya sea en sus genes, (es hijo del cantante folk Gil Robbins), ya sea en las películas que dirigió (“Dead Man Walking, para nombrar solo una en que la música alcanza sublimes cimas)
La banda que lo acompaña para la ocasión es la Rogues Gallery Band la cual está formada por músicos de sesión, entre los cual se encuentra en el hermano de Brian Eno, Roger, quienes están producidos por la sabia mano de Hal Wilner (Lou Reed).
No vayan a pensar que en su debut, el hombre se dedica a llorar el fin de su matrimonio con Susan Sarandon, el lo único que quiere es dejar libre a esa energía en forma de canción que estaba desesperada por ver la luz.
El disco es un exquisito manjar para degustar tranquilamente, un trabajo que se balancea entre el “Tunnel Of Love” de Springsteen y algún disco de de Richard Thompson, con algunos temas que se salen de orbita para vagar furiosamente por el espacio como el Blues podrido de "Time To Kill" y la folklórica "Queen Of Dreams" que podría entrar perfectamente en algún disco de los Waterboys o en el "Desire" o "Street Legal" de Dylan.
La balada "Crush On You", con su atmosfera muy "Harvest Moon"(el disco) de Young tiene todo para ser un clásico...pero lamentablemente en estos tiempos, solo va a hacer feliz a unos pocos elegidos.
Ojala este primer paso de Robbins en el mundo discográfico no sea un hecho aislado y estemos ante el inicio de una gran carrera

S

Cuando en 2007 Steve Wynn decido revivir a “Danny And Dusty” no solo nos regalo un gran disco, sino que se le agradece también por devolvernos a la tierra de los vivos al chiflado de Dan Stuart; lo que devino en una efímera reunión de los indispensables Green On Red y en The Slummers su nuevo grupo formado junto al productor JD Foster (Calexico, entre muchos mas) y dos ilustres italianos.
En “Love Of The Amateur” encontramos pires bañados de Bourbon y acido “Rift Valley Evolutionary Blues”,”Bowery Boy”, “Who Knows”, baladas de carretera nocturna : “East Broadway”, melodías bañadas por las aguas de la costa oeste norteamericana “Tell Me I’m Crazy” y “All About You”, ecos de las canciones que encontrábamos en los últimos discos de Green On Red : “Bread & Water” y verdaderas maravillas de Folk Rock como “Last One Out” tocada por gente que supo estar a la cabeza del revisionismo Country Rock a principios de los 80’s

The Sparkleberries son de Chapel Hill (Carolina Del Norte), pero podrían ser perfectamente de la gran manzana y si estuviéramos en los setenta serian la fija en el CBGB.
Su debut “Skylight Exchange” tiene todos los piques, la poesía callejera y el rock filoso que encontramos en el primer disco solista de Reed y por ende en el último de los Velvets, (“Tim” no desentonaría en el debut de Mr. Reed si la pusiéramos enseguidita de “Wild Child”). También encontramos cosas como la genial “Maple Park” que es puro T- Rex con el agregado de unos cortantes punteos a la Chuck Berry.
En el disco participa una verdaderas leyenda del rock de garaje americano de los 80’s con inclinaciones Pop como es Chris Stamey (The Db’s)

No es la primera vez que la legendaria cantante de Gospel y Soul Mavis Staples se cruza con luminarias rockeras: Ry Cooder ya había metido mano en su disco de 2007 “We’ll Never Turn Back” y Prince con menor éxito había tratado de revivir su carrera fines de los 80’s y principios de los noventa.
En “You Are Not Alone” el hombre a cargo es nada más ni nada menos que el líder de Wilco, Jeff Tweedy quien no solo la guía con mano sabia, sino que también le regala la bellísima canción que titula el disco.
Por este trabajo desfilan canciones tradicionales, Blues, Soul, espirituales y una musculosa versión de “Wrote A Song For Everyone” de los Creedence.
En “In Christ There Is No East Or West” nos parece estar escuchando algún tema perdido de Wilco
El tema que cierra el disco “Too Close On My Way To Heaven” es un Blues lento y sentido de esos que te dejan sin habla, en donde por momentos nos parece escuchar el golpeteo del pie y el deslizar de los dedos del maestro John Lee Hooker.

W

El hombre de los Lambchop, Kurt Wagner se junto con Cortney Tidwell para darle vida al proyecto Korg. El dúo escarbo en los archivos del sello Chart de Nashville el cual fuera propiedad del abuelo de Cortney y rescataron canciones de oscuros intérpretes para que cobren nueva vida en este siglo.
El resultado es el delicado “Invariable Hartache”, un disco de Country-Soul en los que el dúo demuestra un mágico respeto por el arte de la interpretación.
La canción que abre el disco “Incredible Lonely” es seda pura acariciando tu rostro, “Pickin Wild Mountain Berries” tiene un ritmo sincopado de guitarra que te transporta al tercero de los Velvets y en “Yours Forever” nos parece estar escuchando a Cat Power.
Con el resultado ya digerido por los oídos, esperemos que esta operación rescate continúe por cada perdido sello discográfico norteamericano del que se tenga noticias.

Si hay algo que a Paul Weller no le gusta para nada, es descansar en los laureles cosechados, por eso el hombre tiene una conducta de trabajo admirable y luego de entregar un disco doble en 2008,"22 Dreams" y girar incansablemente, en este 2010 cae "Wake Up The Nation" un álbum en donde Weller se deja llevar por las movidas aguas de la experimentación.
Si bien en el encontramos las clásicas composiciones del británico, hay en cada una de las canciones una maraña de psicodelia y pedazos de guitarras, teclados y ruidos varios que hacen que de cada tema se puedan sacar 5 mas y a pesar de contener 16 canciones rara vez alguna pasa de los 3 minutos, lo que hace que cada una sea un pequeña muestra de la historia del Rock N Roll, de los Beatles a Motown, del Rock Acido a la electrónica, de la música clásica al brit pop, todo parece tener su lugar en este disco.
"Fast Car, Slow Traffic" quizás sea la canción que mejor defina el espíritu del disco, claustrofóbica, cortada, teclados que cachetean y se van, sonidos alucinógenos que machacan el ritmo y voces que se sobreponen unas a otras, canción que suena como un auto rápido en un embotellamiento en una autopista.
El tema que titula el disco es puro Weller y lo podríamos encontrar en cualquiera de sus discos solistas de los noventas, así como también "Find The Torch/Turns The Plans" que tiene una melodía demoledora para ser cantada hasta el agotamiento.
"No Tears Left To Cry" es un imponente Soul acariciado por unas solemnes cuerdas que elevan.
El disco también marca el reencuentro por primera vez en muchos años de Weller con el que fuera bajista de los Jam, Bruce Foxton.
Con “Wake Up The Nation” Weller no solo despertó a u país, sino que el mismo sale de la experiencia con la cara lavada... ¿y saben qué? ya está trabajando en su sucesor.


La última aventura en solitario en el estudio de Ron Wood databa del año 2001, por eso es más que bienvenido “I Feel Like Playing” su nuevo y gran disco.
Este nuevo trabajo tiene todo los condimentos para convertirse en uno de los mejores de su carrera: tremendas canciones mid-tempo en los que su rasposa voz exuda supervivencia, “me siento como un viejo coyote aullándole a la luna” canta en “Why You Wanna Go And Do A Thing”, números rollingas con guitarras rugosas: “Thing About You”( con la impecable presencia de Billy Gibbons de los ZZ Top”) y “100 %. Funk e infecciosos Soul en la versión de “Spoonful” de Willie Dixon, baladas con nervio rockero: “Forever” (canción que había compuesto pasa su debut en solitario en 1974 pero que terminaría quedado afuera del disco)
Los mejores tracks del disco traen reminiscencias de viejos conocidos: el reggae de “Sweetness My Witness” tiene mucho de “Too Rude” de los Stones y “Lucky Day” es un calco del “Seven Days” de Dylan que el mismo Wood versiono.
La lista de invitados es apabullante: Slash, Flea, Eddie Veeder, Jim Keltner, Rick Rosas, WaddyWatchel, Bobby Womack, Ian Mc Lagan y por supuesto están sus camaradas en los Stones Bernard Fowler, Blondie Chapin y Daryl Jones.
“I Feel Like Playing” es un disco de fresco Rock N Roll, suelto y desinhibido, un disco que sin lugar a dudas, estas leyendas se lo deben de haber pasado de maravilla grabándolo.

Y

En 2007 con más de 50 años y con muchas millas como acompañante de su marido Neil, Pegi Young lanzo su primer disco compuesto por canciones que venía componiendo desde la adolescencia. Un disco correcto, pero sin demasiadas sorpresas. Por suerte lo que parecía un hecho aislado se transformó en una carrera y hoy ya contamos con un segundo trabajo titulado “Foul Deeds”
Disco superior a su debut tanto en la selección de canciones como en su majestuosa interpretación. Aire de la costa oeste norteamericana con brisas de Nashville .Su banda la forman músicos que tocan habitualmente con su marido, ( Ben Keith, Rick Rosas, Spooner Oldham, Anthony Crawford, Karl Himmel) y la producción corre por cuenta de Elliot Mazer y el propio Ben Keith.
No solo en las muy buenas versiones de Waylon Jennings (“Pleasing To Me”), Lucinda Williams (“Side Of The Road”) y Devendra Banhart (“Body Breaks”) está la magia del disco, sino que también brillan con luz propia las composiciones de la Sra. Young como “Travelling” y “Starting Over”. El propio Neil la acompaña con su guitarra en tres canciones.
“Foul Deeds” fue la ultima grabación en la que participo Keith antes de fallecer y cuando escuchamos sus dedos metálicos acariciar con ternura extrema su amada Pedal Steel nos damos cuenta como lo vamos a extrañar.

5 DISCOS EN VIVO

Bill Callahan / Rough Travel For A Rare Thing
Chris Isaak / Live At The Filmore
John Prine /In Person & On Stage
The White Stripes / Under Great White Northern Lights
Calvin Russell / Contrabendo

8 REEDICIONES Y BOX SETS

Bruce Springsteen / The Promise: The Darkness On The Edge Of Town Story
Rolling Stones / Exile On Main St
Iggy And The Stooges / Raw Power
Dream Syndicate / Medicine Show
John Lennon / Double Fantasy
Bob Dylan / The Bootleg Series Vol 9: The Witmark Demos
R.E.M. / Fables Of The Reconstruction
John Mellencamp / On The Rural Route 7609
LAS 30 CANCIONES DE 2010


1 – Tom Petty & The Heartbreakers / I Should Have Know It
2 - Alejandro Escovedo / Down In The Bowery
3 - Steve Wynn & The Miracle 3 / Resolution
4 – Grinderman / Heathen Child
5 – Neil Young / Peaceful Valley Boulevard
6 – Willie Nile / One Guitar
7 – John Hiatt / Like A Freight Train
8 – Phosphorecent / Los Angeles
9 – Tom Jones / Burning Hell
10 – Giant Sand / Fields Of Green
11 – John Grant / Queen Of Denmark
12 – Los Lobos / Burn It Down
13 – Lloyd Cole / Writers Retreat
14 – Dirtmusic / Black Gravity
15 – Chris Bretch / Devil
16 – Isobel Campbell & Mark Lanegan / Get Behind Me
17 – Alejandro Escovedo / Faith
18 – Jon Dee Graham / Beautiful Broken
19 – Neil Young / Walk With Me
20 – Grinderman / Micky Mouse And The Godbye Man
21 – Jakob Dylan / Nothing In The Whole Wide World
22 – The Sparkeberries / Maple Park
23 – John Hiatt / The Open Road
24 – Edwyn Collins / What Is My Role
25 – Black Francis / When I Go Down On You
26 - Cowboy Junkies /Sir Frances Bacon At The Net
27 – Otis Gibbs / Where Only The Grave Are Real
28 – The Beauties / Fashion Blues
29 – Pete Molinari / New York City
30 – Steve Wynn & The Miracle 3 / The Death Of Donny B.